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mayo 13, 2017

Chet Baker: el genio que apostó a la autodestrucción




Hoy 13 de mayo se cumple otro año de la muerte en 1988 del gran trompetista Chet Baker, quien conquistó la gloria en los clubes de jazz de Estados Unidos gracias a su don, a ese sonido suave de la Costa Oeste de EEUU. Baker transformó el jazz en algo diferente tanto por su música como por su imagen de actor de Hollywood rebosante de carisma y elegancia. Todo el mundo quería estar cerca de él y tuvo el mundo entre sus manos. Pero en ese mundo abundaban las drogas, drogas duras que todavía eran legales y que circulaban en todo tipo de entornos y ciudades. Baker acabó preso de ellas. Arruinado por ellas tanto en lo económico como en lo personal. Cayó en un círculo vicioso de deudas, mentiras y divorcios mientras su música seguía creciendo. Devoró el mundo y a la par fue devorado por él, como Charlie Paker, como muchos más de aquella generación bendecida por la música y maldecida por sus pactos con el diablo.

Grandes músicos han visto truncada su carrera debido al consumo de heroína. Janis Joplin, Jim Morrison o Jimmi Hendrix son algunos ejemplos de artistas que murieron demasiado jóvenes por culpa de una adicción fatal que ha estado unida irremediablemente al mundo del espectáculo. Chet Baker no fue diferente. El legendario trompetista estadounidense tocó el cielo en los años 50 en locales como el mítico Birdland de Nueva York y una década después paseaba su creatividad en garitos de poca monta, intentando rescatar los aplausos que un día le dedicaron sus enfervorecidas fans.

Baker se había vuelto adicto a la heroína en los cincuenta y había sido encarcelado varias veces durante cortos periodos. No obstante, no sería hasta los años sesenta que su adicción empezara a interferir en su carrera musical. Fue arrestado en Italia en el verano de 1960 y pasó casi un año y medio entre rejas. Celebró su regreso grabando en 1962 Chet Is Back! para la RCA. A finales de año, sin embargo, fue arrestado en Alemania Occidental y expulsado a Suiza, luego a Francia y, finalmente, a Inglaterra. Pero fue deportado de nuevo a Francia a causa de otro problema con las drogas en 1963. Vivió en París y durante todo el año siguiente actuó en Francia y España, pero tras ser arrestado una vez más en Alemania Occidental en 1964, fue deportado a Estados Unidos.

Tocó en Nueva York y en Los Ángeles a mediados de los sesenta, cambiando temporalmente la trompeta por el fiscorno. En el verano de 1966 sufrió en San Francisco una gran paliza relacionada con su adicción a las drogas. Como consecuencia de ella, sufrió algún desperfecto en su dentadura que le llevó a modificar su embocadura en la trompeta. Hacia finales de los sesenta, grababa y actuaba sólo de forma ocasional; a comienzos de los setenta, se retiró por completo.

La noche del 11 de marzo de 1988 dio su penúltimo concierto en el Colegio Mayor San Juan Evangelista de Madrid (España), también conocido como el Johnny. Su último concierto fue el 1 de Abril de ese mismo año en Alemania.

El 13 de mayo de 1988, cayó por la ventana de un hotel en Ámsterdam (Países Bajos) tras consumir heroína y cocaína, y falleció instantáneamente. Tenía 58 años.


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mayo 07, 2017

Esperanza Spalding: una artista en pleno ascenso



Esperanza Spalding es una de las más prometedoras compositoras e intérpretes del jazz del siglo XXI. Cantante, contrabajista y bajista estadounidense, ha ganado cuatro premios Grammy entre esos el de artista revelación en 2011, siendo la primera artista de jazz en lograr dicho reconocimiento. Ya en varias ocasiones hemos escrito acá sobre ella.

Esperanza ha logrado mezclar brillantemente géneros, rompiendo barreras y creando un trabajo completamente innovador. Ha conseguido con su brillantez y juventud eclipsar las carreras de grandes artistas de al menos medio siglo de edad.

Nació en Portland, Oregón y  es egresada del Berklee College of Music. Cuenta con cinco álbumes de estudio como solista y ha logrado trascender las barreras compartiendo escenario con artistas de la talla de Janelle Monae, Prince, Herbie Hancock o el mismísimo Stevie Wonder. Como el New York Times acertadamente indicó: "[Esperanza] ha creado su propio exotismo sonoro, no solo como una virtuosísima bajista de jazz o una cantante impecablemente habilidosa, sino como una mágica mezcla de ambos. La naturaleza de su talento es simplemente excepcional..."


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abril 12, 2017

Los 77 años del genio Herbie Hancock



Hoy cumple años, Herbie Hancock, uno de los grandes músicos de todos los tiempos más allá de los estilos y etiquetas. Nacido en Chicago en 1940, lo ha hecho todo en el jazz y en la música. Se presentó en la escena a los 11 años tocando un concierto para piano de Mozart con la Chicago Symphony Orchestra, y en 1963 se incorporó al quinteto de Miles Davis, donde permaneció cinco años. Un total de 11 de sus álbumes han entrado en las listas de pop de las décadas de los 70 y su canción Chameleon, del álbum Head Hunters, consiguió el primer Platino para un disco de jazz.

Es autor de dos de las composiciones jazzísticas más populares de la historia, Watermelon Man, primer corte de su disco de debut Takin' Off (1962), que arrasó en las emisoras de rhythm and blues en la versión de Mongo Santamaría, y Cantaloupe Island, que 32 años después de su creación tendría un gran éxito popular cuando el grupo de hip hop británico US3 la sampleó.

En junio de 2010 lanzó el excepcional álbum The Imagine Project. En este proyecto, que incluye un álbum y una película, se reúnen alrededor del legendario pianista una docena de grandes artistas como Juanes, Elton John, Pink y The Chieftains, entre otros artistas. A sus 77 años lo ha hecho todo en la música.


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marzo 26, 2017

La maestría indiscutible de Marcus Miller



Marcus Miller (14 de junio de 1959, Nueva York) es músico, compositor y productor de jazz. Sus trabajos más conocidos son como bajista en conjunto con el trompetista Miles Davis, Luther Vandross y David Sanborn. Es uno de los músicos más versátiles, talentosos y polifacéticos de la escena jazzística contemporánea, aunque, para hacer justicia, habría que decir de la música negra: aunque habitualmente está considerado como un jazzmen, es tan completo y tan ecléctico que no se le puede encasillar en ningún género, incluso aunque sea uno tan amplio como el jazz.

Destacó como intérprete (sobre todo del bajo, pero domina numerosos instrumentos, como el clarinete, la guitarra, el saxo tenor, el Fender Rhodes, el vibráfono…), pero es un gran productor, un arreglista excepcional y un notable compositor. Es, en definitiva, un artista muy completo, activo en muchos frentes, y no deja de sorprender con sus imparables ganas de innovar y explorar nuevos terrenos. Su discografía rara vez ha conseguido el apoyo unánime de la crítica (debido al rechazo de los puristas de su uso de sintetizadores y programación).

Nació en el seno de una familia musical, su primera influencia fue su padre, que era organista en la iglesia. Con trece años ya interpretaba el clarinete, el piano y el bajo, y empezó a componer música. Dos años después trabajaba en clubes neoyorquinos y pronto empezó a componer para Bobbi Humphrey y Lonnie Liston Smith. Fue entonces cuando empezó a ser reclamado con mucha frecuencia como músico de estudio, colaborando con Joe Sample, McCoy Tyner, Bill Withers, Elton John, Bryan Ferry, Frank Sinatra o LL Cool J.


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febrero 05, 2017

Renee Olstead: jazz y seducción




El primer disco de Renee Olstead fue plenamente profesional, bajo las órdenes y la producción de David Foster, titulado Renee Olstead y grabado para Warner en 2004, cuando esta cantante y actriz nacida en Texas, EEUU, contaba con sólo quince años. Se trata de una colección de varias piezas clásicas del American Songbook como Summertime, Someone to Watch Over Me, What a Difference a Day Makes y Sentimental Journey, que en la voz de la joven intérprete adquieren tonalidades y colores muy gratos y especiales. También se incluye A Love That Will Last, una hermosa balada compuesta para ella por el propio Foster.

Su siguiente álbum, Skylark (Reprise, 2009), se haría bajo los mismos parámetros. Es claro que Foster quería ir a la segura con el repertorio y de nueva cuenta recurrió al American Songbook, esta vez con otras clásicas como Lover Man (Billie Holiday), Stars Fell on Alabama (Ella Fitzgerald), My Baby Just Cares for Me (Nina Simone,) When I Fall in Love (Nat King Cole) y Hit the Road Jack (Ray Charles), aunque Renee tuvo la oportunidad de contribuir con algunas canciones, como la bellísima Hold Me Now.

Si bien el disco apareció en 2009, en realidad fue grabado entre 2005 y 2006, cuando Olstead tenía apenas diecisiete años de edad.

Olstead es más conocida por sus actuaciones en series de televisión –como Still Standing y The Secret Life– o en películas más o menos famosas –como The Insider (con Russell Crowe), End of Days (con Arnold Schwarzenegger), 13 Going on 30 (con Jennifer Garner) y Space Cowboys (de y con Clint Eastwood)– pero por su talento musical, Renee Olstead ha grabado ya tres álbumes en estudio, principalmente de jazz, además de haber colaborado en otros dos,

Disfrútenla como invitada del trompetista Chris Botti, quien la incluyó en su álbum To Love Again: The Duets, lanzado en 2005. Suena al más puro standard de jazz.


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Stefon Harris y Robert Glasper: el sonido del hip-hop jazz


Stefon Harris (arriba) y Robert Glasper (abajo), dos fenómenos.

El vibrafonista y compositor Stefon Harris ha sido calificado como uno de los más importantes nuevos artistas del Jazz y ha sido nominado cinco veces para un Grammy. Es ganador en seis ocasiones del premio al mejor vibrafonista otorgado por la Asociación de críticos de Jazz, y ha sido premiado con el Martin E. Seagal Award por el Lincoln Center de New York. Nacido en Albany, New York, en 1973, Stefon empezó a tocar el piano a lo seis años. Tras finalizar sus estudios como percusionista clásico en la Manhattan School of Music, Stefon se dedicó en cuerpo y alma a la música de Jazz, y en poco tiempo se ganó una sólida reputación como percusionista y vibrafonista.

Por su parte, Robert Glasper es considerado el ideólogo del hip-hop jazz y es conocido por su capacidad para combinar los sonidos más disímiles con el jazz, y otros elementos de varias escuelas de la cultura musical afroamericana Glasper ha desarrollado una dilatada carrera que le ha permitido alternar con figuras como Rusell Malone, Marc Whitfield, Roy Hargrove, Terence Blanchard y Christian McBride y se ha ganado por sus propios méritos ser comparado con grandes como Jason Moran, Brad Mehldau o Bill Charlap.

Ambos, Harris y Glasper, de la mano del productor Pete Rock, le rinden tributo al legendario vibrafonista Roy Ayers, una de las figuras históricas del hard bop. Esto es imperdible.


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Lori Williams: pasión y sensualidad




Lori Williams es una vocalista y educadora de jazz, nativa de Washington, DC, donde ha desarrollado gran parte de su carrera. Se graduó de la Universidad de Hampton, donde recibió una Licenciatura en Artes. Fue Directora de Programas del Coro de Jazz de la Fundación Mejores Amigos y ha enseñado música en las Escuelas Públicas por más de 21 años. Actualmente, Lori es la Directora de Música Vocal de la Escuela Secundaria Woodrow Wilson. Tiene además una amplia experiencia en las artes escénicas.

Lori ha compartido el escenario como vocalista principal o de fondo con muchos artistas internacionalmente conocidos como Oleta Adams, Yolanda Adams, David Archuleta, Regina Belle, Eric Benet, Keter Betts, The Blackbyrds, Norman Brown, Tom Browne, Peabo Bryson , Jerry Butler, Terri Lyne Carrington, TC Carson, Gene Chandler, Stanley Clarke, Howard Curtis, Jon Davis, Will Downing, George Duke, David Dyson, James Género, Savion Glover y Slide Hampton, entre otros. También ha realizado extensas grabaciones en estudio, trabajo comercial, voz en off, presentaciones de radio y turismo en Estados Unidos, Europa y Japón y ha colaborado con muchos de estos artistas.

Ha lanzado independientemente tres CDs en el género Pacific Coast Jazz. Su CD de debut, Healing Within, fue lanzado en 2010. Este proyecto está dedicado a la memoria de su madre, Myrtle W. Williams. Lanzó su segundo CD, Eclipse of the Soul, en 2012. Su tercer CD, Behind the Smiles, fue lanzado el 7 de octubre de 2016.
 
Começar de Novo fue compuesta por el brasileño Ivan Lins en 1978 y es una de las canciones emblemáticas de su repertorio, y una de las más emblemáticas en el género del jazz bossa y de la Música Popular Brasileña (MPB).

En el momento en que grabó esa canción Lins era un artista prohibido por sus letras; sus canciones era realmente muy revolucionarias para ser parte de la música pop de aquellos tiempos. Comenzar de nuevo es la historia de una persona que después de un momento muy difícil –en la situación en que se encontraba Brasil en esa época, como otras partes de Latinoamérica– se levantaba después de un secuestro. Ahí es que dice: “Comenzar de nuevo y contar conmigo / va a valer la pena haber amanecido”. Es como un canto permanente al levantarse después de la desgracia, a tomar impulso, a cobrar fuerzas y seguir adelante.


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Orlando "Maraca" Valle: latin jazz de alta tensión



Orlando Valle, más conocido en el ambiente musical por su apodo de "Maraca", nació en La Habana, Cuba en septiembre de 1966 y tras haber estudiado música desde muy pequeño en el conservatorio Manuel Samuell debutó aún muy joven profesionalmente con la orquesta de Bobby Carcasses y luego integró el grupo del Emiliano Salvador.

En el '88 se sumó a una de las bandas más trascendentes de la historia cubana: Irakere, el mítico grupo liderado por Chucho Valdés. Durante seis años "Maraca" se desempeñó como flautista, tecladista, compositor y arreglador, tras esta fructífera experiencia emprendió su carrera solista liderando su propia agrupación a la que dio en llamar Otra Visión.

Con este grupo, Orlando Valle editó cuatro discos y previo a ellos uno como solista, cosechó siempre excelentes críticas y reconocidos premios siendo quizás la nominación a los premios Grammy del 2003 como "Mejor álbum de Salsa" por su CD Tremenda Rumba, la que lo haya catapultado a una consideración más masiva.

Maraca ha desarrollado una impresionante carrera musical con un estilo contemporáneo y lleno de modernidad en el que fusiona sus raíces en la música cubana con el jazz y los sonidos provenientes de otras culturas.

Actualmente es líder del proyecto “Maraca & Afro-Cuban Jazz Masters”, una propuesta integrada por quince músicos reconocidos de sobrado talento y nivel musical, entre los que destacan los trombonistas Brian Lynch y Steve Turré, el baterista Giovanni Hidalgo, el percusionista Horacio El Negro Hernández y la violinista japonesa Sayaka, entre otros, con quienes ha realizado presentaciones en casi todos los escenarios europeos, Estados Unidos, Canadá, África, América Latina y su Cuba natal.


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febrero 02, 2017

La épica travesía de Natalie Cole



Natalie Cole falleció el ultimo día de 2015, en Los Ángeles, a los 65 años. Fue la única de los cinco hijos de Nat King Cole que se dedicó con éxito a la única. Tenía 15 años cuando su padre fallecía. Natalie logró vender más de 30 millones de álbumes a lo largo de su carrera. Su mayor éxito llegó con su álbum de 1991 Unforgettable: With Love, un homenaje a su padre con versiones reelaboradas de algunas de sus canciones más conocidas. Murió de una hipertensión arterial pulmonar idiopática, que le provocó una falla cardiaca.

Fue lanzada por Capitol Records, la compañía de su padre, en 1975 y tuvo éxitos inmediatamente, con temas como Inseparable, Sophisticated lady o I’ve got love on my mind.

Ya en los noventa, Natalie se rindió a la presión ambiental y se decidió a explotar el legado familiar. Aceptó que la sombra de su padre era demasiado gigantesca: había visto los agobios de su tío, el gran cantante y pianista Freddy Cole, cuya desesperación le llevó a titular un álbum No soy mi hermano, soy yo. En 1991, Natalie lanzó Unforgettable… with love, donde recreaba éxitos de su padre. Y no solo eso: la tecnología permitía que grabara un dueto con la voz de Nat King Cole, que las malas lenguas del negocio musical no tardaron en criticar. No obstante, la Academia premiaría a Natalie con varios premios Grammy por esta producción.



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enero 29, 2017

Bill Laurance: el jazz de los mil colores



Ganador de un Premio Grammy y miembro original del internacionalmente aclamado grupo Snarky Puppy, Bill Laurance lanzó su álbum debut Flint el año 2014. Se convirtió, rápidamente, en número uno, en las listas de jazz de iTunes, y recibió elogios de la crítica internacional. Su segundo álbum Swift fue lanzado con el sello discográfico GroundUP Músic en la primavera de 2015.

De formación clásica, Bill ha trabajado como músico profesional desde los 14 años. Ha estado de gira internacional como pianista, teclista, compositor, productor y arreglista, grabando con artistas tan importantes como: David Crosby, Morcheeba, Salif Keita, Bobby McFerrin, Susana Baca, Lalah Hathaway, Laura Mvula, Jacob Collier, Chris Potter, Lionel Loueke, Carlos Malta, entre otros.

En su tercer álbum, Laurance volvió a la música de sus raíces, con el trío original de Snarky Puppy, Michael League, Robert “Sput” Searight y el legendario percusionista de Nueva Orleans Weedie Braimah.

Su último trabajo se titula Aftersun y en él podemos encontrar danza y percusión africana, música que sale de su propio corazón, explorando nuevos géneros musicales.

El núcleo principal de la banda esta integrado por Felix Higginbottom, en la percusión; Chris Hyson, en el bajo; Joshua Blackmore, en la batería, y el propio Bill Laurance, en los teclados.


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enero 16, 2017

Un suceso llamado Trio Da Paz



 El Trio da Paz es uno de los grupos de jazz brasileños más destacados en el mundo, y está formado por Romero Lubambo en la guitarra, Nilson Matta en el bajo y Duduka da Fonseca en la batería y percusión. Formados en 1986, han grabado tres discos, Orfeo Negro en Kokopelli Records, Partido Out en Malandro Records y el primero, Brasil From the Inside, con Herbie Mann y Joanne Brackeen.

Su líder, Romero Lubambo, es hoy en día uno de los músicos más requeridos por su gran dominio de la guitarra en diferentes estilos, profundo conocimiento y creatividad armónica, unido a una técnica personal depurada, que ha llevado a los críticos a calificarle como uno de los mejores músicos en su instrumento en actividad hoy en el mundo. Ha tocado con muchas de las primeras figuras del jazz y la música brasileña como Michel Brecker, Leny Andrade, Paquito D’Rivera, Rafael Rabello, Astrud Gilberto, Herbie Mann, Naná Vasconcelos, Airto Moreira, Flora Prim, Gato Barbieri, Michel Petrucciani, Luciana Souza, Sadao Watanabe o Steve Turre.

El vibrafonista invitado, el californiano Joe Locke,  es además compositor y educador, que ha hecho estudios en percusión clásica y composición en la Eastman School of Music con John Beck, Gordon Stout, Ted Moore y David Mancini. Como músico de jazz, Locke fue precoz, al haber tocado con figuras como Dizzy Gillespie, Pepper Adams y Mongo Santamaría antes de que incluso fuera a la escuela secundaria. Desde que se mudó a Nueva York en 1981, Joe se ha presentado con Grover Washington, Jr., Kenny Barron, Dianne Reeves, Eddie Daniels, Jerry Gonzales, Bob Berg , Ron Carter, Scott Jimmie, Geoffrey Keezer, The Mingus Big Band y Randy Brecker, entre muchos otros.


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enero 10, 2017

"I´ve got you under my skin" cumple años




I've Got You Under My Skin fue escrita por Cole Porter en 1936 y es ahora uno de los estándares de jazz por excelencia. Como muchas otras canciones de la época, que siguen siendo populares hasta nuestros días, fue escrita para una película. Fue introducido en el musical de MGM Born to Dance y protagonizado por la actriz Virginia Bruce.

Sin embargo, la versión más conocida es la de Frank Sinatra, quien la cantó por primera vez en sus programas semanales de radio, durante el auge de su popularidad en 1946, y también en un medley con Easy to Love, otra de las composiciones de Porter.


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enero 08, 2017

John Daversa: el nuevo genio del jazz progresivo




El trompetista, compositor, arreglista y director de banda John Daversa ha recibido tres nominaciones al Grammy por su cuarto álbum de estudio, Kaleidoscope Eyes: The Music of The Beatles, que fue lanzado en BFM Jazz.

El álbum, que grabó con The Daversa Progressive Big Band, ha sido nominado en la categoría de Mejor Conjunto de Jazz Grande, así como Mejor Arreglo, Instrumental o a Capella por la canción Lucy en el Cielo con Diamantes y Mejor Arreglo, Instrumental y Vocal por ¿Quieres conocer un secreto?, que cuenta con la participación de la vocalista Renee Olstead.

Kaleidoscope Eyes explora el vasto catálogo de Los Beatles a través de los arreglos imaginarios de Daversa. Destaca un reparto de 60 músicos de big band a coro de jazz y cuerdas.

Daversa es actualmente presidente del Departamento de Música de Estudio y Jazz de la Escuela de Música Frost de la Universidad de Miami, Florida, donde también dirige la Banda de Jazz de Conciertos Frost. El realizará un homenaje al trompetista Dizzy Gillespie en el próximo Festival Miami el 26 de enero en la sala de conciertos Maurice Gusman de la Universidad de Miami.

Escuchen la versión en jazz big band que Daversa realiza de I Saw Her Standing There (La vi parada allí), de Los Beatles, con la intervención del rapero, cantante, productor, compositor, saxofonista y flautista Katisse Buckingham. Imperdible.


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enero 05, 2017

Tony Bennett: un nonagenario que no se retira




El cantante Tony Bennett arribó a sus 90 años en 2016. El acontecimiento se celebró con el lanzamiento el 16 de diciembre de Tony Bennett Celebrates 90: The Deluxe Edition en Registros de RPM / Columbia Records, disponible en todo el mundo. El conjunto de 3 CD’s fue el  complemento del especial Tony Bennett celebra 90: Lo mejor está por venir, que salió al aire en NBC el 20 de diciembre.

El especial fue filmado frente a una audiencia en vivo en Radio City Music Hall en Nueva York el 15 de septiembre y cuenta con actuaciones de artistas como Lady Gaga, Andrea Boccelli, Kevin Spacey y muchos otros. Además, las actuaciones de Billy Joel y Elton John fueron grabadas en lugares alternos y aparecieron en la emisión, así como en el CD.

Bennett colaboró con el periodista Scott Simon para agradecer a las personas que ayudaron e influyeron en su carrera, tales como sus padres, Frank Sinatra, Duke Ellington y otros, y la ciudad de San Francisco, su favorita.

Just Getting Started también incluye más de 80 imágenes en color de las ilustraciones originales de Bennett y fue lanzado por HarperCollins. Si lo pueden conseguir, no desaprovechen la oportunidad de guardar esta valiosa colección.


Disfruten este performance al lado de Lady Gaga. 


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enero 04, 2017

Christian McBride: un omnipresente del jazz




Christian Mc Bride ya es catalogado como el sucesor de Ron Carter en el don de la omnipresencia. Ya ha pasado de largo las trescientas colaboraciones como sideman en una discografía que incluye lo mejor de lo mejor del jazz de todos los tiempos, en grabaciones al lado de Freddie Hubbard, Sonny Rollins, McCoy Tyner, Hank Jones, Pat Metheny, Chick Corea, Herbie Hancock, Michael Brecker y un larguísimo etcétera. Sus cotizadísimos servicios no se limitan, sin embargo, a la órbita del jazz.

McBride dirige actualmente cinco grupos: "Inside Straight", que presenta al saxo alto/soprano Steve Wilson, al vibrafonista Warren Wolf, al pianista Peter Martin y al baterista Carl Allen; un trío que presenta al pianista Christian Sands y al batería Jerome Jennings; su Big Band de 18 miembros; un grupo experimental llamado "A Christian McBride Situation" con la pianista Patrice Rushen, los productores DJ Logic y Jahi Sundance, el saxofonista Ron Blake y la vocalista Alyson Williams y el "New Jawn", presentando al trompetista Josh Evans, el saxofonista Marcus Strickland y el batería Nasheet Waits.

En marzo de 2016, McBride fue nombrado director artístico del Newport Jazz Festival, sucediendo al fundador del festival y director artístico, George Wein.

En su tercera visita a los estudios de KPLU, el reciente álbum de trío de Christian McBride Live at the Village Vanguard acababa de ganar un Grammy por la Mejor Improvisación en solo de jazz.



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enero 02, 2017

Un fenómeno cubano llamado Alfredo Rodríguez




La música del pianista cubano Alfredo Rodríguez trasciende los ritmos y melodias, mas que son cubano, salsa o latin jazz sus conceptos fluyen hacia la música universal. Desde su debut Sounds of Space en el 2011, Rodríguez se había desmarcado como un genio musical, su continuación en el 2014, The Invasion Parade, no hizo sino reivindicar su capacidad y agudeza.

Alfredo Rodríguez es natural de La Habana, Cuba, (7 de octubre de 1985) y proviene de una familia de músicos. Su padre, Alfredo Rodríguez (más conocido como Alfredito), ha sido durante décadas un popular cantante, presentador de televisión y actor cubano.

Según el propio músico, con 15 años se adentró en el mundo del jazz y la improvisación cuando su tío le dio El Köln Concert de Keith Jarrett. “Hasta entonces había sido todo Bach, Mozart y Beethoven. Yo no sabía nada acerca de la improvisación. The Köln Concert cambió mi vida”.

Su proyección internacional comenzó a partir del año 2006 cuando fue seleccionado entre doce músicos para tocar en el Festival de Jazz de Montreux, en Suiza. Allí tuvo la ocasión de conocer al maestro y productor musical Quincy Jones quien posteriormente se convirtió en su mentor y tras su llegada a los Estados Unidos, en 2009, ha emprendido una imparable carrera musical de éxito.

No pierdan de vista a este pianista. Tiene mucho por hacer en el jazz.



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Es Dios

"Esa lengua de fuego se abría despiadada, como urdiendo en el alma y buscando donde cabalgar. Resoplaba fuerte, escrutaba el ojo, mordía la mente y ondeaba su calor, como haciéndonos sentir que somos una miniatura, una milmilésima parte del universo. Esa lengua de fuego, creación al fin, es lo mismo que la hoja, que la piedra, que el agua, que el ave, que la hierba. Es Dios".

La compuerta de la vida

"A veces, casi inerme, entrebusco la fórmula de la vida, y encuentro una melodía que me exige respirar, profundo, restituyéndome la fe en el futuro. Sólo Dios abre la compuerta de la vida, y la música es el compás de espera a la perfección, el estadío más emocionante del ser humano".

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