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diciembre 28, 2014

La magia de Fourplay, una banda sorprendente


Fourplay, hoy: Harvey Mason, Bob James, Nathan Easr y Chuck Loeb.

Fourplay, la superbanda estadounidense de jazz y smooth jazz, estuvo integrada originalmente por Bob James, en los teclados; Lee Ritenour, en la guitarra; Nathan East, en el bajo, y Harvey Mason, en la batería. El álbum debut de la banda, Fourplay (1991), suena como uno de los trabajos de James con Ritenour como principal solista, y presente el sonido básico que el grupo irá desgranando en posteriores trabajos: una mezcla de jazz, R&B, y pop con temas ligeros de base rítmica funky orientados comercialmente.

Lee Ritenour abandona la banda a mediados de la década, y su puesto es ocupado por Larry Carlton (The Crusaders, Joni Mitchell, Quincy Jones...),1 quien hace su primera aparición discográfica en 4 (1998), un disco que a pesar de la entrada del nuevo miembro -con unas guitarras más rítmicas y presentes que las de su predecesor- y de nuevas colaboraciones (El Debarge, Babyface Edmonds, Kevyn Lettau, Shanice) no supone un giro radical en el sonido de la banda.

Por veteranía, Bob James es el líder espiritual del grupo. Una de sus preocupaciones es que la música de Fourplay suene a ellos y se distinga de los trabajos que cada componente elabora en solitario. Y él cree que los consiguen gracias a que son un auténtico equipo que funciona de forma democrática en las composiciones, arreglos e instrumentaciones de los temas. Y realiza una curiosa afirmación relacionada con la llegada del guitarrista Chuck Loeb: respetando la evolución y la historia del grupo y lo que para él supuso la participación de Larry Carlton y Lee Ritenour, tiene la sensación de que en los dos últimos años, ha conseguido lo que buscaba.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

diciembre 25, 2014

Oscar Peterson: siete años de su partida




Hoy, Día de Navidad, se conmemora la muerte, hace siete años, del héroe nacional canadiense Oscar Peterson, a quien ese país erigió un monumento hace cuatro años y cuya imagen fue incluida en sellos postales canadienses.

Oscar Peterson había nacido el 15 de agosto de 1925 en un distrito pobre de Montreal y su padre, ferroviario, le permitió convertirse en músico siempre que llegara a ser "el mejor". El pequeño Oscar comenzó a tomar clases de piano clásico a los 6 años de edad.

Peterson, uno de los pianistas más virtuosos del llamado "jazz moderno", llegó a ser conocido en todo el mundo por sus solos improvisados de gran rapidez y depurada técnica pianística, que provenía directamente del estilo de Art Tatum.


Fue el primer ciudadano canadiense contemporáneo cuya efigie figuró en sellos postales de su país, y recibió el título de Miembro de la Orden de Canadá, la condecoración civil canadiense de mayor prestigio.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Tributo al cumpleañero de Navidad: Bob James




Hoy, Día de Navidad, celebramos con el cumpleañero de hoy: el pianista Bob James. Durante los años setenta, Bob James tuvo un papel importante en convertir el jazz fusión en música popular. Angela, el tema instrumental de la comedia de situación Taxi, es posiblemente la obra más conocida de Bob James. También son conocidas sus obras de fusión Westchester Lady (del disco Bob James Three) y Nautilus.

James es reconocido como uno de los progenitores del smooth jazz. Su música ha tenido una profunda influencia en la historia de la música hip hop, y ha sido sampleada frecuentemente. Dos canciones de James —Nautilus (del disco One, de 1974) y Take me to the Mardi Gras (del disco Two, de 1975)— se encuentran entre las canciones más sampleadas en la historia del hip hop.

Deep in the weeds es el fantástico instrumental que reúne una vez más a Bob James con David Sanborn, que forma parte del CD Quartette Humaine, publicado en el 2013. 



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

diciembre 22, 2014

Arturo O'Farrill: heredero de una dinastía latina




Arturo O'Farrill nació en Ciudad de México, el 22 de junio de 1960, hijo de Lupe Valero y de Chico O'Farrill, uno de los grandes compositores y trompetistas de jazz de La Habana, Cuba. La familia vivió en México hasta 1965, cuando se mudó a la ciudad de Nueva York, Allí, su padre, Chico, trabajó como director musical para el programa Festival of Lively Arts, de la CBS, donde forjó su relación con grandes músicos de jazz de la época como Count Basie, Dizzy Gillespie, Gerry Mulligan y Stan Getz. Sin embargo, Chicho también trabajó con muchos artistas de la música latina como Tito Puente, Machito, Celia Cruz y La Lupe, quienes, para su hijo Arturo, lo condujeron a una educación con una variada identidad cultural.

Egresado del Conservatorio de Música de Brooklyn con honores, y del Instituto de Música Aaron Copland de Queens, Arturo siempre huyó del estilo musical de su padre: escuchaba con sumo interés a los pianistas Bud Powell y Chick Corea. La compositora, pianista y conductora Carla Bley lo escucha y lo recluta para su Big Band del Carnegie Hall. Más tarde lo veremos colaborando con Dizzy Gillespie, Howard Johnson, Steve Turre, Papo Vázquez o Lester Bowie. Director musical de Harry Belafonte, y pianista y director musical de la Big Band de su padre, Chico O’Farrill Afro Cuban Jazz Orchestra.

Tras la muerte del autor de “Trumpe Fantasy” (tema que Chico compuso en 1995 para Wynton Marsalis) se convirtió en líder de la agrupación fundada por su progenitor. Algunas colaboraciones infructuosas con Marsalis/Jazz Lincoln Center para tocar jazz latino lo inducen a formar la Orquesta Afro Latin Jazz (ALJO) con auspicio de Jazz Lincoln Center hasta 2007.

Es su haber tiene trabajos como Línea de sangre (1999), A Night in Tunisia (2000), Cumana (2004), Una noche inolvidable (2005), Canción para Chico (2008), 40 acres y un Burro (2011), Las sesiones de Noguchi (2012), Final Night en Birdland (2013), siete placas suscritas en los legados de Mario Bauzá/Chico O’Farrill con planteamientos novedosos y fonética que recuerda matices de Count Basie y, por momentos, a Duke Ellington;  tres discos con Chico O’Farrill: Pure Emotion (1995), Heart of a Legend (1999) y Carambola (2000) y una colaboración con Bebo Valdés: Chico & Rita (2011).

Aparece The Offense Of The Drum/Arturo O’Farrill & The Afro Latin Jazz Orchestra (Motema Music, 2014), que subraya las inquietudes de este pianista mexicano-estadunidense (con raíces cubana e irlandesa por parte paterna) de conformar un jazz panamericano que sobrepasa y enriquece los esquemas del cubop/afrocubano/latin. Formato orquestal de piano, sax (tenor, alto, barítono), 4 trompetas, 3 trombones, bajo, tuba, congas, bongo, campana, batería, percusiones, arpa, taiko drum, maracas, djembe, tornamesa (DJ), acordeón, cajón y voz.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

diciembre 21, 2014

Yissy García: el nuevo sonido cubano del jazz




Yissy García es una baterista cubana, portadora de una gran herencia musical que le viene de su padre e inspirador, el percusionista Bernardo García, fundador del mítico grupo Irakere. Desde pequeña se inclina hacia la percusión, a los nueve años comienza los estudios elementales de música en la escuela Manuel Saumell, y más tarde continúa el nivel medio en el Conservatorio Amadeo Roldan.

Desde el 2006 hasta el 2011 integra la orquesta femenina de salsa Anacaona, presentándose en escenarios de toda Cuba y en Festivales internacionales: Art Jazz Festival, Sunfest, La Nuit de África, Músicas del Mundo y Montreal Jazz Festival de Canadá; los festivales de jazz de Curazao, Martinica, Trinidad Tobago, Guadalupe, Barbados, Santa Lucía y Aruba. En este último tuvo la ocasión de tocar junto al saxofonista David Sanborn.

También en ese período y hasta la actualidad, su versatilidad y destreza le permiten codearse con otros músicos y géneros, desde figuras noveles hasta avezados artistas: Omara Portuondo, Bobby Carcassés, Raúl Paz, Joaquín Betancourt, Alexis Bosch, Orlando Sánchez (CubaJazz), Yasek Manzano, Roberto Carcassés e Interactivo, Kelvis Ochoa y Roberto García, por sólo citar algunos.

En el 2012, con solo 25 años, y siendo referente obligado de la percusión hecha por mujeres en la Isla, firmada con las reconocidas marcas Sabian (platillos) y LP (instrumentos de percusión), decide emprender su carrera en solitario estrenándose como líder de un proyecto musical que sigue las rutas del latin jazz, el funk y la música electrónica. Su concierto debut, el 4 de agosto de 2012 en el Teatro de Bellas Artes de la Habana, marcó un excelente comienzo con una banda que agrupó a parte de la vanguardia de los jazzistas jóvenes de la Isla.

En el 2013 fue galardonada con el Primer Lugar en la categoría Batería, de la primera edición del Concurso Internacional de Jazz Master Jam Festival, celebrado en Odessa, Ucrania. El certamen agrupó a cuarenta finalistas de dieciséis países, regidos por un jurado que estuvo presidido por el prestigioso músico ruso Anatoly Kroll.

Actualmente defiende el quinteto como formato habitual, integrado por Jorge Aragón (piano), Julio César González (bajo), Julio Rigal (trompeta), Dj Jigüe (máquinas) y Yissy (batería). El producto musical, resultado de un estrecho trabajo de grupo, ha sido definido como una muestra del “nuevo sonido del jazz cubano”.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

diciembre 20, 2014

John Pizzarelli: el estilo cool del jazz




El mayor intérprete del gran songbook americano. Genio indiscutible de la guitarra. Demencialmente creativo. Un instrumentista asombroso, un cantante irresistiblemente cool. El mejor, en cualquier rubro del entretenimiento, y así, varios etcéteras. Neoyorkino hasta los huesos, ganador del Grammy, popular y virtuoso a la vez, John Pizzarelli ostenta aquellos y muchos otros rótulos que intentan definir su personalidad única, extrovertida, ecléctica, musicalmente impecable y muy seductora a la vez. 

Hijo del legendario guitarrista Bucky Pizzarelli, el joven John debutó profesionalmente a los 20 años y en menos de una década ya despertaba la sorpresa de sus contemporáneos; y en 1990 inició una rutilante carrera solista, en la que no tiene parangón. Cada uno de sus shows es un derroche de ideas musicales, asombroso despliegue instrumental y una voz cautivante como pocas, a los que su simpatía y carácter expansivo suelen sumar un indefinible toque de humor. 

En definitiva, el sueño de cualquier músico y de cualquier público: la mayor calidad, virtuosisimo y rigor musical, pero en la piel de un showman irresistible. Según los críticos un heredero directo del célebre y popularísimo trío de Nat King Cole, Pizzarelli reverencia tal elogio que lo compara con su mayor ídolo de juventud, pero prefiere en todo caso definir su propio grupo como “la versión moderna de aquel artista incomparable”. 

En el video que verán a continuación interpreta In a Mellow Tone, grabado en vivo en un clase magistral ofrecida, en Octubre de 2014, junto al guitarrista Jonathan Gearey en la Universidad de Sherbrooke. Imperdible.


Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

diciembre 15, 2014

Glenn Miller: el swing inmortal


Miller falleció en 1944 en un accidente aéreo en extrañas circunstancias.
La vida del director de orquesta Glenn Miller fue prácticamente la de un héroe nacional, un hombre predestinado a la inmortalidad. El 15 de diciembre de 1944 --después de numerosas presentaciones con su banda para entretener a las tropas aliadas en la Segunda Guerra Mundial-- Miller se encontraba en la base aérea británica de Bedfordshire. Desde allí, en esta fecha, se embarcó en un avión rumbo a Paris para organizar transmisiones de radio con su orquesta. Trágicamente el avión jamás llegó a su destino y nunca se supo qué fue lo que le sucedió.

Con el tiempo la orquesta siguió tocando bajo la dirección de diversos músicos y su personal, obviamente, también fue cambiando hasta el día de hoy. Lo que se ha mantenido son los arreglos originales de Miller y el espíritu musical de sus orígenes. 

Uno de los directores más célebres, posterior a la muerte de Miller, fue su baterista Ray Mackinley. Pero desde hace 25 años la dirige Ray McVay, quien ha sido aclamado durante todo ese tiempo por mantener viva la llama de Miller. McVay, que es un ex director de orquestas de la BBC, es británico, así como lo son los músicos de la banda y llegó hace más de dos décadas a un arreglo legal con la sucesión Glenn Miller en Nueva York para poder seguir adelante con el proyecto.

En 1937, Miller funda la orquesta en la que crearía y mantendría viva desde ese entonces su música, llamada The Glenn Miller Orchestra, donde hizo innumerables éxitos, entre los más importantes In The Mood que es posiblemente la canción de swing más conocida, y otras como Kalamazoo, American Patrol, Moonlight Serenade, Tuxedo Junction, Chattanooga Choo Choo, A String of Pearls, Little Brown Jug y Pennsylvania 6-5000, entre otras.

En 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, Miller se alistó en las Fuerzas Aéreas donde recibió el rango de capitán y donde se encargó de las tropas estadounidenses desplazadas a Europa. Tras la liberación de París, a Miller se le ordenó realizar una gira de seis semanas allí y en otras ciudades europeas, ya en poder de los aliados. Miller, recién ascendido a Mayor, pasó la noche anterior, discutiendo con un amigo sus planes de formar una banda en la postguerra y luego retirarse a una finca que había comprado en California.

Al día siguiente, 15 de diciembre de 1944, partió en un avión monomotor desde el aeródromo de Twinwood, 50 millas al norte de Londres. Se dirigía a París, para iniciar su gira artística. El piloto de la aeronave también se dirigía a la ciudad, en la que estaba a punto de ser sometido a una corte marcial por acusaciones de traficar en el mercado negro.

Los informes indican que había un tercer compañero con ellos en este vuelo. Como nunca se encontraron los cadáveres de Miller y sus acompañantes, hubo una serie de leyendas que le suponían vivo. En 1985, el investigador Clive Ward descubrió un Noorduyn Norseman, similar al avión en que viajó Miller, en las afueras de la costa norte de Francia pero no pudo verificarse la existencia de restos humanos en su interior.

Uno de los rumores más persistentes es el de que murió en un burdel alemán, apuñalado por una prostituta, aunque esta historia, que se supone desclasificada como muchos otros secretos de guerra, nunca se ha podido confirmar. La teoría más probable es que el avión fue accidentalmente derribado por bombarderos RAF sobre el Canal de la Mancha (entre Francia y Reino Unido), después de una operación abortada de bombardeo contra Alemania donde se arrojaron al mar las bombas destinadas a fin de aligerar carga: el piloto de la fuerza aérea británica Frad Shaw anotó en su bitácora que observó que un pequeño avión monomotor se precipitaba en espiral y sin control hacia el mar.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor de jazz.

diciembre 02, 2014

La riqueza musical de 'Cama de Gato'


Cama de Gato: una exploración del jazz y los ritmos del Brasil.

Cama de Gato es un grupo instrumental formado en 1986, en Rio de Janeiro, que lanzó ese mismo año su primer álbum titulado Cama de Gato. En los años siguientes lanzaron los trabajos discográficos Guerra Fria, Sambaíba y Amendoim Torrado, con giras por Europa y Estados Unidos.

Dada la fama de sus integrantes como instrumentistas, son raras las veces que se pueden reunir para grabar y hacer presentaciones dentro y fuera de Brasil. Han acompañado a famosos artistas como Gal Costa, María Bethania, Chico Buarque, Toquinho, Caetano Veloso, Jorge Vercilo, Claudio Roditi, Gilson Peranzetta, o han creado discos individualmente, lo que impide que la producción discográfica del grupo sea más fecunda. 

Pese a ello han grabado seis CDs que han sido grandes éxitos, pues todos han sobrepasado las 100,000 copias vendidas.

Cama de Gato -expresión brasileña que le da nombre a una trampa- cree que pese a las influencias externas, la música brasileña tiene su propia personalidad, que se plasma en unas notas con su propio "acento", aunque las partituras sean las mismas.

El espectáculo que ofrece esta agrupación no se limita a lo musical. En el escenario, Araújo, al mando de la percusión, es el eje que conecta al público con los músicos, aunque todos hacen lo suyo para involucrarse con los espectadores y atraparlos en su ritmo, a su ritmo.

Formación: 
Jota Moraes - Piano / Mauro Senise - Saxofón / Pascoal Meirelles - Batería / André Neiva - Bajo eléctrico / Mingo Araújo - Percusión


Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Mike Stern: un guitarrista de altos kilates


Mike Stern es uno de los grandes exponentes del jazz funk.

Mike Stern es uno de los más importantes guitarristas de su generación. Ha colaborado y grabado discos de referencia del jazz fusión con algunos de los más importantes nombres de la historia del Jazz como Miles Davis, Marcus Miller, Bill Evans, Jaco Pastorius, David Sanborn, Steps Ahead, Dave Weckl, Brecker Brothers Band, Joe Henderson o Ron Carter. Mejor guitarrista de 1993 para Guitar Player Magazine. Graduado en The Berklee College of Music, su discografía como lider incluye discos como Upside Downside, 1986 Atlantic Records, grabado junto a Jaco Pastorius, David Sanborn y el fallecido Bob Berg, Time in Place, Jigsaw, Standards And Other Songs. Ha recibido tres nominaciones a los premios Grammy por los discos Is What It Is, Between the Lines y Voices.

Nacido en Boston y graduado en Berklee College of Music, en 1985, Stern lanza Neesh, su primera grabación como solista. Un año más tarde, hizo su debut en el sello Atlantic con el mencionado álbum Upside Downside, con colaboradores tan célebres como David Sanborn, Jaco Pastorius, el saxofonista Bob Berg, los bajistas Mark Egan y Jeff Andrews, el pianista Mitch Forman y los baterias Dave Weckl y Steve Jordan. Durante los siguientes dos años, Stern fue miembro del quinteto de Michael Brecker, apareciendo en Don’t Try This At Home.

El segundo álbum de Stern en Atlántic, Time in place es editado en 1988. Siguió con Jigsaw (1989) y Odds or Evens (1991), en los cuales demuestra su destreza con la guitarra y musicalidad. Durante este período también formó un grupo con el saxofonista Bob Berg, que incluía al baterista Dennis Chambers y el bajista Lincoln Goines. Permanecieron juntos desde 1989 hasta 1992, momento en que Stern se unió a los hermanos Michael y Randy Brecker en el regreso de la Brecker Brothers Band, apareciendo en la grabación Return of the Brecker Brothers, lanzado en 1992. Otros créditos notables incluyen el trabajo de acompañante con el fallecido saxofonista tenor Joe Henderson y la grabación en vivo de 4 Generations of Miles, en la que se une a otros alumnos de Miles Davis tales como George Coleman  (saxo tenor), Jimmy Cobb en la batería y Ron Carter en el bajo.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

diciembre 01, 2014

McCoy Tyner: 50 años de influencia musical




Pocos pianistas han tenido tanta influencia en el jazz moderno como McCoy Tyner. Su concepción rítmica y armónica, mostrada ampliamente como miembro del cuarteto clásico de John Coltrane, son instantáneamente reconocibles. A la edad de 74 años, podemos aún escuchar su forma de conducir con la mano izquierda y sus sugerentes acordes traducidos en bellas formas. 

Para el opening del San Francisco Jazz Center, en 2013, Tyner invocó su paseo Walk Spirit, Talk Spirit, con un cuarteto multi-generacional. Luego interpretó un blues alegre para dar la bienvenida a algunos músicos del área de la bahía: el saxofonista alto John  Handy y el vibrafonista Bobby Hutcherson, quien sufre de enfisema y requiere constantemente oxìgeno: su rostro se le iluminó cuando le volvió a tocar interpretar el vibráfono con el pianista con el cual colaboró durante casi 50 años. El evento fue conducido por el humorista y fanático del jazz, Bill Cosby.

Personal:

Walk Spirit, Talk Spirit / McCoy Tyner, piano; Joe Lovano, saxo tenor; Esperanza Spalding, contrabajo, y Eric Harland, batería.


Blues On The Corner / McCoy Tyner, piano; Bobby Hutcherson, vibrafono; John Handy, saxo alto; Joshua Redman, saxo tenor; Bill Frisell, guitar; Matt Penman, bajo, y Eric Harland, batería.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Es Dios

"Esa lengua de fuego se abría despiadada, como urdiendo en el alma y buscando donde cabalgar. Resoplaba fuerte, escrutaba el ojo, mordía la mente y ondeaba su calor, como haciéndonos sentir que somos una miniatura, una milmilésima parte del universo. Esa lengua de fuego, creación al fin, es lo mismo que la hoja, que la piedra, que el agua, que el ave, que la hierba. Es Dios".

La compuerta de la vida

"A veces, casi inerme, entrebusco la fórmula de la vida, y encuentro una melodía que me exige respirar, profundo, restituyéndome la fe en el futuro. Sólo Dios abre la compuerta de la vida, y la música es el compás de espera a la perfección, el estadío más emocionante del ser humano".

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