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diciembre 28, 2014

La magia de Fourplay, una banda sorprendente


Fourplay, hoy: Harvey Mason, Bob James, Nathan Easr y Chuck Loeb.

Fourplay, la superbanda estadounidense de jazz y smooth jazz, estuvo integrada originalmente por Bob James, en los teclados; Lee Ritenour, en la guitarra; Nathan East, en el bajo, y Harvey Mason, en la batería. El álbum debut de la banda, Fourplay (1991), suena como uno de los trabajos de James con Ritenour como principal solista, y presente el sonido básico que el grupo irá desgranando en posteriores trabajos: una mezcla de jazz, R&B, y pop con temas ligeros de base rítmica funky orientados comercialmente.

Lee Ritenour abandona la banda a mediados de la década, y su puesto es ocupado por Larry Carlton (The Crusaders, Joni Mitchell, Quincy Jones...),1 quien hace su primera aparición discográfica en 4 (1998), un disco que a pesar de la entrada del nuevo miembro -con unas guitarras más rítmicas y presentes que las de su predecesor- y de nuevas colaboraciones (El Debarge, Babyface Edmonds, Kevyn Lettau, Shanice) no supone un giro radical en el sonido de la banda.

Por veteranía, Bob James es el líder espiritual del grupo. Una de sus preocupaciones es que la música de Fourplay suene a ellos y se distinga de los trabajos que cada componente elabora en solitario. Y él cree que los consiguen gracias a que son un auténtico equipo que funciona de forma democrática en las composiciones, arreglos e instrumentaciones de los temas. Y realiza una curiosa afirmación relacionada con la llegada del guitarrista Chuck Loeb: respetando la evolución y la historia del grupo y lo que para él supuso la participación de Larry Carlton y Lee Ritenour, tiene la sensación de que en los dos últimos años, ha conseguido lo que buscaba.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

diciembre 25, 2014

Oscar Peterson: siete años de su partida




Hoy, Día de Navidad, se conmemora la muerte, hace siete años, del héroe nacional canadiense Oscar Peterson, a quien ese país erigió un monumento hace cuatro años y cuya imagen fue incluida en sellos postales canadienses.

Oscar Peterson había nacido el 15 de agosto de 1925 en un distrito pobre de Montreal y su padre, ferroviario, le permitió convertirse en músico siempre que llegara a ser "el mejor". El pequeño Oscar comenzó a tomar clases de piano clásico a los 6 años de edad.

Peterson, uno de los pianistas más virtuosos del llamado "jazz moderno", llegó a ser conocido en todo el mundo por sus solos improvisados de gran rapidez y depurada técnica pianística, que provenía directamente del estilo de Art Tatum.


Fue el primer ciudadano canadiense contemporáneo cuya efigie figuró en sellos postales de su país, y recibió el título de Miembro de la Orden de Canadá, la condecoración civil canadiense de mayor prestigio.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Tributo al cumpleañero de Navidad: Bob James




Hoy, Día de Navidad, celebramos con el cumpleañero de hoy: el pianista Bob James. Durante los años setenta, Bob James tuvo un papel importante en convertir el jazz fusión en música popular. Angela, el tema instrumental de la comedia de situación Taxi, es posiblemente la obra más conocida de Bob James. También son conocidas sus obras de fusión Westchester Lady (del disco Bob James Three) y Nautilus.

James es reconocido como uno de los progenitores del smooth jazz. Su música ha tenido una profunda influencia en la historia de la música hip hop, y ha sido sampleada frecuentemente. Dos canciones de James —Nautilus (del disco One, de 1974) y Take me to the Mardi Gras (del disco Two, de 1975)— se encuentran entre las canciones más sampleadas en la historia del hip hop.

Deep in the weeds es el fantástico instrumental que reúne una vez más a Bob James con David Sanborn, que forma parte del CD Quartette Humaine, publicado en el 2013. 



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

diciembre 22, 2014

Arturo O'Farrill: heredero de una dinastía latina




Arturo O'Farrill nació en Ciudad de México, el 22 de junio de 1960, hijo de Lupe Valero y de Chico O'Farrill, uno de los grandes compositores y trompetistas de jazz de La Habana, Cuba. La familia vivió en México hasta 1965, cuando se mudó a la ciudad de Nueva York, Allí, su padre, Chico, trabajó como director musical para el programa Festival of Lively Arts, de la CBS, donde forjó su relación con grandes músicos de jazz de la época como Count Basie, Dizzy Gillespie, Gerry Mulligan y Stan Getz. Sin embargo, Chicho también trabajó con muchos artistas de la música latina como Tito Puente, Machito, Celia Cruz y La Lupe, quienes, para su hijo Arturo, lo condujeron a una educación con una variada identidad cultural.

Egresado del Conservatorio de Música de Brooklyn con honores, y del Instituto de Música Aaron Copland de Queens, Arturo siempre huyó del estilo musical de su padre: escuchaba con sumo interés a los pianistas Bud Powell y Chick Corea. La compositora, pianista y conductora Carla Bley lo escucha y lo recluta para su Big Band del Carnegie Hall. Más tarde lo veremos colaborando con Dizzy Gillespie, Howard Johnson, Steve Turre, Papo Vázquez o Lester Bowie. Director musical de Harry Belafonte, y pianista y director musical de la Big Band de su padre, Chico O’Farrill Afro Cuban Jazz Orchestra.

Tras la muerte del autor de “Trumpe Fantasy” (tema que Chico compuso en 1995 para Wynton Marsalis) se convirtió en líder de la agrupación fundada por su progenitor. Algunas colaboraciones infructuosas con Marsalis/Jazz Lincoln Center para tocar jazz latino lo inducen a formar la Orquesta Afro Latin Jazz (ALJO) con auspicio de Jazz Lincoln Center hasta 2007.

Es su haber tiene trabajos como Línea de sangre (1999), A Night in Tunisia (2000), Cumana (2004), Una noche inolvidable (2005), Canción para Chico (2008), 40 acres y un Burro (2011), Las sesiones de Noguchi (2012), Final Night en Birdland (2013), siete placas suscritas en los legados de Mario Bauzá/Chico O’Farrill con planteamientos novedosos y fonética que recuerda matices de Count Basie y, por momentos, a Duke Ellington;  tres discos con Chico O’Farrill: Pure Emotion (1995), Heart of a Legend (1999) y Carambola (2000) y una colaboración con Bebo Valdés: Chico & Rita (2011).

Aparece The Offense Of The Drum/Arturo O’Farrill & The Afro Latin Jazz Orchestra (Motema Music, 2014), que subraya las inquietudes de este pianista mexicano-estadunidense (con raíces cubana e irlandesa por parte paterna) de conformar un jazz panamericano que sobrepasa y enriquece los esquemas del cubop/afrocubano/latin. Formato orquestal de piano, sax (tenor, alto, barítono), 4 trompetas, 3 trombones, bajo, tuba, congas, bongo, campana, batería, percusiones, arpa, taiko drum, maracas, djembe, tornamesa (DJ), acordeón, cajón y voz.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

diciembre 21, 2014

Yissy García: el nuevo sonido cubano del jazz




Yissy García es una baterista cubana, portadora de una gran herencia musical que le viene de su padre e inspirador, el percusionista Bernardo García, fundador del mítico grupo Irakere. Desde pequeña se inclina hacia la percusión, a los nueve años comienza los estudios elementales de música en la escuela Manuel Saumell, y más tarde continúa el nivel medio en el Conservatorio Amadeo Roldan.

Desde el 2006 hasta el 2011 integra la orquesta femenina de salsa Anacaona, presentándose en escenarios de toda Cuba y en Festivales internacionales: Art Jazz Festival, Sunfest, La Nuit de África, Músicas del Mundo y Montreal Jazz Festival de Canadá; los festivales de jazz de Curazao, Martinica, Trinidad Tobago, Guadalupe, Barbados, Santa Lucía y Aruba. En este último tuvo la ocasión de tocar junto al saxofonista David Sanborn.

También en ese período y hasta la actualidad, su versatilidad y destreza le permiten codearse con otros músicos y géneros, desde figuras noveles hasta avezados artistas: Omara Portuondo, Bobby Carcassés, Raúl Paz, Joaquín Betancourt, Alexis Bosch, Orlando Sánchez (CubaJazz), Yasek Manzano, Roberto Carcassés e Interactivo, Kelvis Ochoa y Roberto García, por sólo citar algunos.

En el 2012, con solo 25 años, y siendo referente obligado de la percusión hecha por mujeres en la Isla, firmada con las reconocidas marcas Sabian (platillos) y LP (instrumentos de percusión), decide emprender su carrera en solitario estrenándose como líder de un proyecto musical que sigue las rutas del latin jazz, el funk y la música electrónica. Su concierto debut, el 4 de agosto de 2012 en el Teatro de Bellas Artes de la Habana, marcó un excelente comienzo con una banda que agrupó a parte de la vanguardia de los jazzistas jóvenes de la Isla.

En el 2013 fue galardonada con el Primer Lugar en la categoría Batería, de la primera edición del Concurso Internacional de Jazz Master Jam Festival, celebrado en Odessa, Ucrania. El certamen agrupó a cuarenta finalistas de dieciséis países, regidos por un jurado que estuvo presidido por el prestigioso músico ruso Anatoly Kroll.

Actualmente defiende el quinteto como formato habitual, integrado por Jorge Aragón (piano), Julio César González (bajo), Julio Rigal (trompeta), Dj Jigüe (máquinas) y Yissy (batería). El producto musical, resultado de un estrecho trabajo de grupo, ha sido definido como una muestra del “nuevo sonido del jazz cubano”.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

diciembre 20, 2014

John Pizzarelli: el estilo cool del jazz




El mayor intérprete del gran songbook americano. Genio indiscutible de la guitarra. Demencialmente creativo. Un instrumentista asombroso, un cantante irresistiblemente cool. El mejor, en cualquier rubro del entretenimiento, y así, varios etcéteras. Neoyorkino hasta los huesos, ganador del Grammy, popular y virtuoso a la vez, John Pizzarelli ostenta aquellos y muchos otros rótulos que intentan definir su personalidad única, extrovertida, ecléctica, musicalmente impecable y muy seductora a la vez. 

Hijo del legendario guitarrista Bucky Pizzarelli, el joven John debutó profesionalmente a los 20 años y en menos de una década ya despertaba la sorpresa de sus contemporáneos; y en 1990 inició una rutilante carrera solista, en la que no tiene parangón. Cada uno de sus shows es un derroche de ideas musicales, asombroso despliegue instrumental y una voz cautivante como pocas, a los que su simpatía y carácter expansivo suelen sumar un indefinible toque de humor. 

En definitiva, el sueño de cualquier músico y de cualquier público: la mayor calidad, virtuosisimo y rigor musical, pero en la piel de un showman irresistible. Según los críticos un heredero directo del célebre y popularísimo trío de Nat King Cole, Pizzarelli reverencia tal elogio que lo compara con su mayor ídolo de juventud, pero prefiere en todo caso definir su propio grupo como “la versión moderna de aquel artista incomparable”. 

En el video que verán a continuación interpreta In a Mellow Tone, grabado en vivo en un clase magistral ofrecida, en Octubre de 2014, junto al guitarrista Jonathan Gearey en la Universidad de Sherbrooke. Imperdible.


Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

diciembre 15, 2014

Glenn Miller: el swing inmortal


Miller falleció en 1944 en un accidente aéreo en extrañas circunstancias.
La vida del director de orquesta Glenn Miller fue prácticamente la de un héroe nacional, un hombre predestinado a la inmortalidad. El 15 de diciembre de 1944 --después de numerosas presentaciones con su banda para entretener a las tropas aliadas en la Segunda Guerra Mundial-- Miller se encontraba en la base aérea británica de Bedfordshire. Desde allí, en esta fecha, se embarcó en un avión rumbo a Paris para organizar transmisiones de radio con su orquesta. Trágicamente el avión jamás llegó a su destino y nunca se supo qué fue lo que le sucedió.

Con el tiempo la orquesta siguió tocando bajo la dirección de diversos músicos y su personal, obviamente, también fue cambiando hasta el día de hoy. Lo que se ha mantenido son los arreglos originales de Miller y el espíritu musical de sus orígenes. 

Uno de los directores más célebres, posterior a la muerte de Miller, fue su baterista Ray Mackinley. Pero desde hace 25 años la dirige Ray McVay, quien ha sido aclamado durante todo ese tiempo por mantener viva la llama de Miller. McVay, que es un ex director de orquestas de la BBC, es británico, así como lo son los músicos de la banda y llegó hace más de dos décadas a un arreglo legal con la sucesión Glenn Miller en Nueva York para poder seguir adelante con el proyecto.

En 1937, Miller funda la orquesta en la que crearía y mantendría viva desde ese entonces su música, llamada The Glenn Miller Orchestra, donde hizo innumerables éxitos, entre los más importantes In The Mood que es posiblemente la canción de swing más conocida, y otras como Kalamazoo, American Patrol, Moonlight Serenade, Tuxedo Junction, Chattanooga Choo Choo, A String of Pearls, Little Brown Jug y Pennsylvania 6-5000, entre otras.

En 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, Miller se alistó en las Fuerzas Aéreas donde recibió el rango de capitán y donde se encargó de las tropas estadounidenses desplazadas a Europa. Tras la liberación de París, a Miller se le ordenó realizar una gira de seis semanas allí y en otras ciudades europeas, ya en poder de los aliados. Miller, recién ascendido a Mayor, pasó la noche anterior, discutiendo con un amigo sus planes de formar una banda en la postguerra y luego retirarse a una finca que había comprado en California.

Al día siguiente, 15 de diciembre de 1944, partió en un avión monomotor desde el aeródromo de Twinwood, 50 millas al norte de Londres. Se dirigía a París, para iniciar su gira artística. El piloto de la aeronave también se dirigía a la ciudad, en la que estaba a punto de ser sometido a una corte marcial por acusaciones de traficar en el mercado negro.

Los informes indican que había un tercer compañero con ellos en este vuelo. Como nunca se encontraron los cadáveres de Miller y sus acompañantes, hubo una serie de leyendas que le suponían vivo. En 1985, el investigador Clive Ward descubrió un Noorduyn Norseman, similar al avión en que viajó Miller, en las afueras de la costa norte de Francia pero no pudo verificarse la existencia de restos humanos en su interior.

Uno de los rumores más persistentes es el de que murió en un burdel alemán, apuñalado por una prostituta, aunque esta historia, que se supone desclasificada como muchos otros secretos de guerra, nunca se ha podido confirmar. La teoría más probable es que el avión fue accidentalmente derribado por bombarderos RAF sobre el Canal de la Mancha (entre Francia y Reino Unido), después de una operación abortada de bombardeo contra Alemania donde se arrojaron al mar las bombas destinadas a fin de aligerar carga: el piloto de la fuerza aérea británica Frad Shaw anotó en su bitácora que observó que un pequeño avión monomotor se precipitaba en espiral y sin control hacia el mar.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor de jazz.

diciembre 02, 2014

La riqueza musical de 'Cama de Gato'


Cama de Gato: una exploración del jazz y los ritmos del Brasil.

Cama de Gato es un grupo instrumental formado en 1986, en Rio de Janeiro, que lanzó ese mismo año su primer álbum titulado Cama de Gato. En los años siguientes lanzaron los trabajos discográficos Guerra Fria, Sambaíba y Amendoim Torrado, con giras por Europa y Estados Unidos.

Dada la fama de sus integrantes como instrumentistas, son raras las veces que se pueden reunir para grabar y hacer presentaciones dentro y fuera de Brasil. Han acompañado a famosos artistas como Gal Costa, María Bethania, Chico Buarque, Toquinho, Caetano Veloso, Jorge Vercilo, Claudio Roditi, Gilson Peranzetta, o han creado discos individualmente, lo que impide que la producción discográfica del grupo sea más fecunda. 

Pese a ello han grabado seis CDs que han sido grandes éxitos, pues todos han sobrepasado las 100,000 copias vendidas.

Cama de Gato -expresión brasileña que le da nombre a una trampa- cree que pese a las influencias externas, la música brasileña tiene su propia personalidad, que se plasma en unas notas con su propio "acento", aunque las partituras sean las mismas.

El espectáculo que ofrece esta agrupación no se limita a lo musical. En el escenario, Araújo, al mando de la percusión, es el eje que conecta al público con los músicos, aunque todos hacen lo suyo para involucrarse con los espectadores y atraparlos en su ritmo, a su ritmo.

Formación: 
Jota Moraes - Piano / Mauro Senise - Saxofón / Pascoal Meirelles - Batería / André Neiva - Bajo eléctrico / Mingo Araújo - Percusión


Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Mike Stern: un guitarrista de altos kilates


Mike Stern es uno de los grandes exponentes del jazz funk.

Mike Stern es uno de los más importantes guitarristas de su generación. Ha colaborado y grabado discos de referencia del jazz fusión con algunos de los más importantes nombres de la historia del Jazz como Miles Davis, Marcus Miller, Bill Evans, Jaco Pastorius, David Sanborn, Steps Ahead, Dave Weckl, Brecker Brothers Band, Joe Henderson o Ron Carter. Mejor guitarrista de 1993 para Guitar Player Magazine. Graduado en The Berklee College of Music, su discografía como lider incluye discos como Upside Downside, 1986 Atlantic Records, grabado junto a Jaco Pastorius, David Sanborn y el fallecido Bob Berg, Time in Place, Jigsaw, Standards And Other Songs. Ha recibido tres nominaciones a los premios Grammy por los discos Is What It Is, Between the Lines y Voices.

Nacido en Boston y graduado en Berklee College of Music, en 1985, Stern lanza Neesh, su primera grabación como solista. Un año más tarde, hizo su debut en el sello Atlantic con el mencionado álbum Upside Downside, con colaboradores tan célebres como David Sanborn, Jaco Pastorius, el saxofonista Bob Berg, los bajistas Mark Egan y Jeff Andrews, el pianista Mitch Forman y los baterias Dave Weckl y Steve Jordan. Durante los siguientes dos años, Stern fue miembro del quinteto de Michael Brecker, apareciendo en Don’t Try This At Home.

El segundo álbum de Stern en Atlántic, Time in place es editado en 1988. Siguió con Jigsaw (1989) y Odds or Evens (1991), en los cuales demuestra su destreza con la guitarra y musicalidad. Durante este período también formó un grupo con el saxofonista Bob Berg, que incluía al baterista Dennis Chambers y el bajista Lincoln Goines. Permanecieron juntos desde 1989 hasta 1992, momento en que Stern se unió a los hermanos Michael y Randy Brecker en el regreso de la Brecker Brothers Band, apareciendo en la grabación Return of the Brecker Brothers, lanzado en 1992. Otros créditos notables incluyen el trabajo de acompañante con el fallecido saxofonista tenor Joe Henderson y la grabación en vivo de 4 Generations of Miles, en la que se une a otros alumnos de Miles Davis tales como George Coleman  (saxo tenor), Jimmy Cobb en la batería y Ron Carter en el bajo.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

diciembre 01, 2014

McCoy Tyner: 50 años de influencia musical




Pocos pianistas han tenido tanta influencia en el jazz moderno como McCoy Tyner. Su concepción rítmica y armónica, mostrada ampliamente como miembro del cuarteto clásico de John Coltrane, son instantáneamente reconocibles. A la edad de 74 años, podemos aún escuchar su forma de conducir con la mano izquierda y sus sugerentes acordes traducidos en bellas formas. 

Para el opening del San Francisco Jazz Center, en 2013, Tyner invocó su paseo Walk Spirit, Talk Spirit, con un cuarteto multi-generacional. Luego interpretó un blues alegre para dar la bienvenida a algunos músicos del área de la bahía: el saxofonista alto John  Handy y el vibrafonista Bobby Hutcherson, quien sufre de enfisema y requiere constantemente oxìgeno: su rostro se le iluminó cuando le volvió a tocar interpretar el vibráfono con el pianista con el cual colaboró durante casi 50 años. El evento fue conducido por el humorista y fanático del jazz, Bill Cosby.

Personal:

Walk Spirit, Talk Spirit / McCoy Tyner, piano; Joe Lovano, saxo tenor; Esperanza Spalding, contrabajo, y Eric Harland, batería.


Blues On The Corner / McCoy Tyner, piano; Bobby Hutcherson, vibrafono; John Handy, saxo alto; Joshua Redman, saxo tenor; Bill Frisell, guitar; Matt Penman, bajo, y Eric Harland, batería.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

noviembre 26, 2014

Davis, Shorter, Corea, Holland y DeJohnette juntos de nuevo


Davis, Shorter, Corea, Holland y DeJohnette, "el quinteto extraviado"

Alguien le llamó "el quinteto extraviado". Un grupo con cinco de los más admirados gigantes del jazz que tocaron juntos, como quinteto, por un período relativamente corto.

En septiembre de 2011 Columbia/Legacy lanzó el Volumen 1 de una serie llamada "Bootleg", con Live In Europe 1967 con el otro quinteto famoso que incluía a Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams. Esa publicación fue aclamada, recibió 5 estrellas en la crítica de la revista Down Beat y fue votada "Álbum histórico del año", tanto por críticos como por los lectores de la misma revista, así como por la Asociación de Periodistas de Jazz y otras instituciones y medios.

Siguiendo el éxito de esa publicación, el mencionado sello lanzó en enero de 2013 el Volumen 2 de la serie, titulado Miles Davis Quintet --Live In Europe 1969 con Miles, Wayne, Chick, Dave y Jack en grabaciones obtenidas dos años después con un "nuevo" quinteto. Todo ello incluido en una caja de 3 CDs y un DVD.

Esta grabación ha ganado el primer lugar en las encuestas realizadas por las revistas Down Beat y Jazzwise, en la categoría "mejor álbum histórico" re-editado el año pasado. Nosotros lo hemos estado recomendando desde hace muchos meses en la columna de la derecha.

Esta compilación presenta actuaciones en vivo jamás publicadas con anterioridad y representa la mayor colección de temas grabados por el llamado "tercer gran quinteto de Miles Davis" (de no muy larga vida), también apodado "la banda extraviada de Davis 1969-70", de la que no existe mucho material obtenible de forma comercial.

Este grupo comenzó a gestar y solidificar lo que serían esas dos grabaciones seminales, Filles De Killimanjaro e In A Silent Way, que fueron un "puente" entre todo lo anterior y la "fusión" madurada en Bitches Brew.  Estos cinco músicos fueron el núcleo de un grupo mayor que tomó parte en la grabación de Bitches Brew, otro hito que Davis le regaló a la historia del jazz.

Ahora los amantes del jazz y coleccionistas tienen la oportunidad de escuchar (y ver) a este quinteto en vivo en la gira europea de 1969 que sentó las bases de otro capítulo en el desarrollo del género. Trae grabaciones realizadas en radio y televisión europeas, en el festival de jazz francés de Antibes, en Estocolmo, Berlín y otros lugares del continente.

Hoy se celebra también la primera grabación del estilo be-bop en la historia del jazz, hecha en 1945 por Charlie Parker, sesión donde se grabó otros temas también y tomó parte un joven Miles Davis de 19 años de edad.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

noviembre 25, 2014

Se acerca el XII Panamá Jazz Festival


La duodécima edición del tradicional Panamá Jazz Festival ya tiene fechas listas y artistas confirmados. Este gran evento internacional, que es una producción de Panama Jazz Productions, en colaboración con Fundación Ciudad del Saber y Danilo Jazz Club, se celebrará del 12 al 17 de enero de 2015.

En esta versión el artista homenajeado será el saxofonista, clarinetista y flautista Eric Dolphy, informó el director artístico del festival Danilo Pérez, durante una conferencia realizada en el American Trade Hotel, en el Casco Antiguo.

También anunció la participación de los siguientes artistas: Brian Blade and The Fellowship Band, el saxofonista portorriqueño Miguel Zenón, Pedrito Martínez y Children of the Light Trio con Danilo Pérez, amén de la cartelera de charlas y talleres que ser realizarán en la Ciudad del Saber, Clayton, Panamá.

En la gala inaugural se hará un reconocimiento a dos grandes figuras del Panamá Jazz Festival: el maestro Omar Alfano que acaba de ingresar al salón de la fama de los compositores latinos; y Danilo Pérez, artista por la Paz escogido por la UNESCO. Serán reconocidos como Embajadores Culturales de la República de Panamá.


Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Recordando a la diva del jazz Anita O'Day




Anita O'Day (Anita Belle Colton, Chicago, 1919) fue una superviviente de la era dorada de las big bands y la única cantante de jazz de piel blanca comparable a las más grandes -Ella Fitzgerald, Billie Holiday o Sarah Vaughan-, que falleció el 23 de noviembre de 2006 en la ciudad de Los Ángeles, a los 87 años, a causa de una neumonía.

La primera aparición de Anita O'Day en una big band rompió con la imagen tradicional de las vocalistas femeninas, situándose a un nivel similar al de los otros músicos del grupo.

Su carrera explosionó en 1955 con su primer disco (el primero que, además, editó Verve) titulado Anita (o This Is Anita). Anita O'Day fue siempre mucho más apreciada en el mundo del jazz que en el del pop, y así frecuentó las actuaciones en los festivales de jazz, apareciendo junto a figuras como Louis Armstrong, Thelonious Monk y George Shearing. Su actuación en el Newport Jazz Festival de 1958 la convirtió en famosa en todo el mundo tras realizarse una película titulada Jazz on a Summer's Day.

La serie de casi veinte discos para Verve durante los años cincuenta y sesenta convirtieron a Anita O'Day en una de las más distintivas, seguidas y exitosas vocalistas de su tiempo, solo superada por Frank Sinatra y Ella Fitzgerald. Trabajó con múltiples arreglistas y en muy variados estilos, incluyendo una colaboración llena de swing con Billy May (Anita O'Day Swings Cole Porter with Billy May), un disco íntimo con The Oscar Peterson Quartet (Anita Sings the Most), varios tradicionales con la Buddy Bregman Orchestra (Pick Yourself Up, Anita), uno de orientación cool con Jimmy Giuffre (Cool Heat) e incluso uno con ritmos latinos con Cal Tjader (Time for Two).

Hacia 1967, Anita O'Day tuvo que detener su carrera debido al extremo agotamiento físico derivado de su intensa actividad artística y estilo de vida, y de su adicción a la heroína.

Tras pasar varios años controlando sus adicciones a las drogas y al alcohol, regresó a los escenarios en el Festival de Jazz de Berlín de 1970 y a comienzos de los setenta con varios discos de estudio y en directo, muchos de ellos grabados en Japón y algunos realizados por su propio sello discográfico, Emily Records. Ha seguido grabando hasta los años noventa.

Publicó su autobiografía en 1981, titulada High Times, Hard Times.




Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

La sensacional Maria Schneider y su Orquesta




La aclamada orquesta de jazz de Maria Schneider se está presentando una vez más desde hoy 25 hasta el 30 de noviembre en el famoso club de jazz neoyorquino Jazz Standard, como todos los años en esta época, en lo que llaman "la residencia de acción de gracias".

Será una presentación de seis días, como en ocasiones anteriores, pero en esta oportunidad la directora neoyorquina estará celebrando los 10 años de la actual orquesta. (La orquesta anterior la formó en 1992, con la que tocó intensamente hasta 1998. La agrupación actual la formó en 2004).

Fue en ese club también, en los años 90, donde María Schneider grabó su legendario álbum Day Of Wine And Roses.

Su disco de 2004, Concert in the Garden, obtuvo el Grammy Award como mejor disco del año para grupo de gran formato, siendo el primer disco publicado exclusivamente vía internet en lograrlo. Fue también elegido "Disco de jazz del año" por la Jazz Journalists Association, quienes también declararon a Schneider Compositora y Arreglista del año, nominando además a su grupo como Big Band del Año.

Una composición de Schneider, Cerulean Skies, de su disco Sky Blue, ganó en 2008 el Grammy a la "Mejor composición instrumental".


Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

octubre 19, 2014

El pulcro sonido de Eddie Daniels



Un clarinetista muy fino y disciplinado, el neoyorquino Eddie Daniels (1941) cumples años hoy domingo 18 de octubre. También toca el saxo soprano, el saxo alto y el saxo tenor, e igualmente desarrolla carrera en el campo de la música clásica.
Nació en el seno de una familia judía y desde muy joven se aficionó a la música. De adolescente acompañó a importantes cantantes de jazz en sus grabaciones. Comenzó tocando el saxo soprano, instrumento con el que participó en el Newport Jazz Festival Youth Competition, cuando tenía entonces 15 años. Posteriormente, ya al iniciar sus estudios superiores, se decantó por el clarinete, instrumento con el que ha conseguido mayor fama.


Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Snarky Puppy: virtuosismo sin esquemas




Snarky Puppy es un colectivo de jazz, funk y world music, de casi 40 músicos, surgido en Texas en 2005 y liderado por el bajista Michael League, que ha recorrido los trechos que jamás ningún otro grupo hubiese podido hacer en tan corto tiempo. Cuando el genio Michael League decidió crear esta banda no se imaginaba el impacto que causaría con este colectivo formado por músicos de Dallas y Nueva York. Desde 2005 iniciaron en Denton, Texas, un recorrido que hoy, visto en retrospectiva, ha significado el legado de una agrupación comprometida con la búsqueda de nuevos sonidos, con las formas desestructuradas y con la educación musical.

Esta agrupación definitivamente rompe moldes. Lo cierto es que por esa llamativa combinación de folk y rock blanco con gospel, soul y rhythm & blues negro, o tal vez por la suma de todo ello, Snarky Puppy suena diferente. Vamos a disfrutarlos con la vocalista y bandoneonista francesa Magda Giannikou, como invitada en el álbum Family Dinner Vol I (2013), que se hizo acreedor de un Grammy 2014 con el tema Something, a cargo de Lalah Hathaway. Disfruten de este sonido especial, se quedarán conectados.


Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

septiembre 28, 2014

Hace 25 años se fue el Mago del Jazz




La celebración este jueves del vigésimomoquinto aniversario de la muerte de Miles Davis llega con una incesante aunque justificada serie de homenajes a este maestro del jazz. Su trompeta se deja oír en la recién publicada colección de cuatro discos que, bajo el título de The Legendary Prestige Quintet Sessions, agrupa una elegante serie de grabaciones del Miles Davis Quintet entre 1955 y 1956.

Y su vida vuelve a ser motivo de discusión 15 años después de su muerte, acaecida el 28 de septiembre de 1991, con la próxima publicación de 'Dark Magus', una nueva biografía del músico redactada en esta ocasión por su hijo mayor, Gregory. Tanto en vida como después de su muerte, Miles es reverenciado como uno de los grandes del jazz, alguien cuyo arte tan sólo es comparable con otra leyenda de este género como Duke Ellington.

Sin llegar a poseer el virtuosismo de su idolatrado Dizzy Gillespie a la trompeta, Miles ofreció un toque personal, siempre diferente y en constante evolución. En sus manos cada una de las notas era importante mientras su estilo evolucionaba del bop al jazz libre, también considerado uno de los pioneros en la fusión con otros géneros musicales.

Como asegura la crítica, la historia del jazz sería diferente de no ser por este nacido en Alton, Illinois, un 25 de mayo de 1926. Junto al talento demostrado como trompetista en obras como su Porgy and Bess (1958) o Sketches of Spain (1960), Davis fue un brillante 'caza-talentos' para sus formaciones orquestales.

Davis jamás se atascó en un solo estilo y siempre estuvo adelantándose a su época, abriendo nuevos caminos para el jazz. Su asociación con Gil Evans, tanto en el nacimiento del cool, como posteriormente con la orquesta grande de éste, fue una de las más fértiles de la historia del jazz. 

El hombre que durante años no quería hablar con nadie que no fuera músico descubrió a talentos como Gerry Mulligan, John Coltrane, Herbie Hanckock, Chick Corea, Keith Jarrett o John McLaughlin, algunos de los principales valores del jazz moderno. Éste es el Davis que celebra este mes el Hollywood Rock Walk cuando inscriba el nombre del músico en la galería en honor a los maestros del rock & roll, el jazz, el blues o el R&B.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Benny Golson: una auténtica leyenda




La importancia de Benny Golson en el jazz moderno es enorme, en su doble faceta de instrumentista y compositor-arreglista. Como instrumentista se inspiró inicialmente en Coleman Hawkins, Don Byas y Lucky Thompson, pero su estilo ha ido evolucionando paulatinamente, incorporando influencias de John Coltrane, Stan Getz y Sonny Stitt: en realidad, Benny toca de una forma absolutamente personal e inconfundible, con un feeling sobrecogedor y un gusto exquisito. Su importancia como instrumentista es sólo superada por su influencia como compositor y arreglista: desde que, en fecha tan temprana como 1955, Miles Davis grabó el tema de Golson Stablemates junto a John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, su fama como compositor no ha cesado de crecer, y raro es el músico o el cantante de Jazz que no incluya algun tema de Golson en su repertorio.

El saxofonista estadounidense ha compuesto también música para la radio y la televisión, como la serie televisiva Mash o el famoso programa de Bill Cosby. También ha efectuado incursiones en el terreno de la música clásica, escribiendo una composición para el violinista Itzhak Perlman y una obra de piano para André Watts, además de  algunos conciertos.

Su producción discográfica es extraordinariamente copiosa: ha grabado, además de como leader de sus propios grupos,  junto a Clifford Brown, Art Farmer, Art Blakey, Lee Morgan, Roland Kirk, Lem Winchester, Dizzy Gillespie, James Moody, Jimmy Cleveland, Sabih Shihab, Philly Joe Jones, George Russell, Frank Rosolino y Mike Wafford para discográficas del prestigio de Riverside, New Jazz, Cadet,  Contemporary, United Artists, Mercury, Audio Fidelity, Jazzland,  Prestige  ó  EastWind.

Golson actuará el 3 de octubre en Ibiza, España, tras cancelar el pasado mes de agosto su actuación en el festival Eivissa Jazz por motivos personales. 



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Jorge Pardo Trio: Es la Historia de un Amor




Éste fue el ensayo del más reciente repertorio de Huellas Trio para este 2014, liderado por Jorge Pardo, Josemi Carmona y José Manuel Ruiz "Bandolero", lo más emblemático del flamenco jazz. Los invitamos a disfrutar de esta particular versión del bolero Es la Historia de un amor, compuesto por del panameño Carlos Eleta en 1955 y que ahora casi 60 años después ofrecen a todos como un gran obsequio. 

Tras la exitosa gira que les llevó el pasado año a hacer cerca de 100 conciertos por España, Europa, India y Sudamerica: este atípico trío, que parte en origen de una formación del flamenco más tradicional, experimentan con las improvisaciones sobre músicas como el jazz, el bolero, el clásico o incluso temas de Los Beatles y como no, con su profundo conocimiento del flamenco. 

Jorge Pardo: De bagaje musical perpetuo, curioso, estudioso y apasionado de cualquier música que se ha cruza en su camino, fue galardonado por la Academie du Jazz Francesa como músico Europeo del año, por su reciente álbum Huellas y sus más de treinta años expresando desde su propio leguaje y musicalidad. Alquimista junto a compañeros de generación del flamenco jazz, ha compartido escenario, giras y música con artistas de la talla de Camarón, Paco de Lucia o Chick Corea en teatros, salas y festivales de los cinco continentes. 

Josemi Carmona: Guitarrista proveniente de una de las sagas flamencas de más solera "Los Habichuela". Compositor y productor de artistas como Estrella Morente o Niña Pastori, compagina estas facetas con la participación en este trío junto a Jorge Pardo, la banda del contrabajista Dave Holland y con sus propios proyectos musicales. Aunque sin duda su mayor reconocimiento le viene por ser en los 90 responsable del sonido del grupo Ketama, su evolución musical continua incesante hasta nuestros días, habiendo sido nominado para los Latin Grammy por su álbum Las pequeñas cosas y descrito por Paco de Lucia como "uno de los mejores guitarristas de su generación"

Jose Manuel Ruiz "Bandolero": Inició su carrera desde muy joven acompañando a figuras del baile como: Antonio Canales, Joaquín Cortés o Sara Baras. Cajonero de primera generación ha vivido en su propia carrera la evolución de los patrones rítmicos del Flamenco sobre este instrumento creciendo junto a él y desmenuzando la esencia de este instrumento hasta sus últimos confines, desde entonces; multitud de artistas y proyectos han demandado sus servicios, entre los que cabría destacar su titularidad en este puesto junto al malogrado Enrique Morente, tanto en directo como en sus producciones discográficas.

Juntos aportan una de las visiones más libres, ricas y bellas de la música que se viene desarrollando en la España de la segunda década de este nuevo milenio. Quizá esto que hoy es fusión mañana sea música clásica, quien sabe, aunque sin duda lo bello de las cosas es disfrutarlo en su momento. 

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

septiembre 15, 2014

Se marchó Joe Sample, creador de The Crusaders




Joe Sample, pianista y fundador del grupo The Crusaders, falleció el pasado viernes 12 de septiembre en Houston, Texas, a los 75 años de edad. Aunque no se han dado a conocer las causas del fallecimiento, se sabe que Sample tuvo diversos problemas de salud en los últimos años, como un infarto en 2009 y recientemente una neumonía.

Tras pasar por los grupos The Swingsters y Nite Hawks en su ciudad natal, Joe Sample se trasladó a Los Ángeles a principios de los sesenta, donde formó el grupo de jazz funk The Jazz Messsengers, que tras publicar varios álbumes con este nombre, lo acortó en 1971 en The Crusaders. Su mayor éxito comercial llegó en 1979 con Street Life, que contaba con la voz de Randy Crawdford. La banda se disolvió en 1991, continuando Sample en solitario, hasta la actualidad.

Con su banda llegó a grabar con Joni Mitchell, Marvin Gaye, Tina Turner o BB King. Fue precisamente su teclado el que le dio un sonido distintivo de fusión entre jazz y funk a The Jazz Crusaders a finales de los sesenta, convirtiéndose en uno de los pioneros en utilizar el teclado electrónico en los setenta, cuando ya eran The Crusaders- junto a Wilfon Felder (saxo y bajo) y Stix Hooper (percusión), innovación que no gustaría a los más puristas del jazz, sobre todo por el coqueteo con la música disco en el mayor éxito de la banda, Street life en 1979, que cantaba Randy Crawford. El álbum permaneció, sin embargo, veinte semanas en el número uno de las listas de jazz.

Así, The Crusaders se convirtió en una de las pocas formaciones de jazz que también accedía las listas de éxitos en EEUU durante los años setenta y ochenta: el citado Street Life (1979/ #18) pero también Chain Reaction (1975 / #26), Rhapsody and Blues (1980 / #29), Southern Comfort (1974 / #31), Images (1978 / #34) o Those Southern Knights (1976 / #38).


Como compositor en solitario también tuvo éxitos ajenos, como One day I´ll fly away para Randy Crawford, en 1980, que se recuperaría en la película Moulin Rouge, esta vez interpretada por Nicole Kidman.

Vamos a disfrutarlo al lado de leyendas del jazz y del rock como Marcus Miller, David Sanborn, Steve Gadd y Eric Clapton, con Put It Where You Want It. Imperdible. 



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

septiembre 07, 2014

Chick Corea & The Vigil: un nuevo retorno




Se trata del nuevo proyecto-formación musical de este incansable músico que no cesa de retornar desde que en 1974 sorprendió al mundo con su agrupación Return to forever, acompañado de Airto Moreira, Flora Purim, Stanley Clark, Joe Farrell y Lenny White. Ahora lo hace con el saxofonista Tim Garland, los bajistas Christian McBride y el cubano Carlitos del Puerto, el baterista Marcus Gilmore, nieto de Roy Hines; el guitarrista Charles Altura y el percusionista venezolano Luisito Quintero. 

A sus 71 años y con una carrera que ya acumula veinte grammys, Chick Corea está decidido a renovar todo lo renovable: en su nuevo disco The Vigil,  se reinventa a si mismo, una vez mas. Nueva música, nueva banda y renovados arreglos de algunas de sus obras mas clásicas. De acustico sublime a eléctrico brillante. En este nuevo álbum también ha contado con la colaboración especial de Stanley Clarke, componente de aquella banda de 1976. Otra colaboración especial ha sido la del saxofonista Ravi Coltrane.

En la actualidad Corea ofrece conciertos en cinco formatos distintos: con The Vigil; en dúo con el banjo Bela Fleck; otro con el contrabajista Stanley Clarke; un cuarto con el vibrafonista Gary Burton, además de conciertos en solitario, a razón de uno por mes que realiza en Estados Unidos como parte de Portraits, el proyecto y disco de solo piano que editó recientemente.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

El sonido lírico y agudo de Dave Liebman




La carrera profesional de este gran saxofonista neoyorquino comienza en 1968, formando parte de una banda que incluía, además a Pete La Roca, Steve Swallow y Chick Corea. Su primera grabación, la realiza junto a Terumasa Hino, y después lo hará nuevamente junto a John McLaughlin (1970), antes de incorporarse al grupo "Ten Wheel Drive", al que también se incorporó Pee Wee Ellis.

En 1972 participó en el disco On the Corner de Miles Davis, quedándose con el trompetista por cuatro años, grabando varios discos y participando en varios festivales alrededor del mundo. Al año siguiente tocó y grabó en Japón con la cantante, Abbey Lincoln, y en 1974, fundó junto a otros músicos la “Free Life Communication” y, finalmente, consolidó su carrera cuando dirigió entre 1973 y 1976 el combo “Lookout Farm” con Richard Beirach, al piano, John Abercrombie, a la guitarra, Frank Tusa o Gene Perla al bajo, Jeff Williams, a la batería y Badal Roy, a la percusión.

En los 70 participó en varios grupos junto a John Scofield, Chick Corea, Bob Moses, Richie Beirach, Billy Hart, Al Foster, John Mraz, etc, que marcaron la dirección del jazz moderno, en los cuales se encuentra el famoso tributo a John Coltrane grabado en Japon en 1987, junto a Wayne Shorter, Jack DeJohnette, Eddie Gomez y Richard Beirach.

En la década de 1980, Liebman formará parte del grupo "Quest", junto a Eddie Gomez, entre otros, además de actuar en diversos festivales con su propia formación. Actua también, ya en los años 1990, con numerosos músicos europeos, entre ellos Joachim Kühn, Daniel Humair, Paolo Fresu, Jon Christensen y Bobo Stenson.


Liebman prolongó la búsqueda de Coltrane, con un sonido lírico y magistral, especializándose en el saxo soprano, en el que usa de forma especialmente preeminente los registros agudos y sobreagudos, combinando ritmos complejos con silencios. Desde 1973, aparece regularmente como soprano en los puestos destacados de los polls de la revista especializada Down Beat.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Samy Thiébault: un viaje espiritual del jazz




Samy Thiébault es un saxofonista francés nació en Costa de Marfil, que emprendió una formación clásica en el Conservatorio de Burdeos. Paralelamente a sus estudios musicales obtuvo una maestría en Filosofía en la Universidad de Soborna. En 2004 entra en el prestigioso Conservatorio Nacional Superior de Música de París en la clase de jazz, la cual cursó hasta 2008.

Su primer álbum Blues For Nel salió en 2004, que tuvo éxito entre el público y los críticos. En 2007 presentó su segundo álbum en quinteto, Gaya Scienza con el que conquistó un amplio público y contó con el apoyo mediático: cuatro estrellas Jazzman, selección del periódico Libération, Top 5 de los mejores álbumes de jazz and world 2007 según la revista francesa de música, arte y sociedad Les Inrockuptibles y playlist en Radio France y TSF Jazz.

2013 marcó una nueva etapa para él con la aparición de su nuevo álbum Clear Fire. El ritmo y sus diferentes bailes interiores y exteriores son el punto central de esta nueva aventura con toda la implicación física y espiritual que eso acarrea. El aporte de la voz en los arreglos, las percusiones tradicionales de Magreb (de donde Samy es en parte originario) asociados a un ritmo imponente, se unen a la tradición y el lenguaje más propio del jazz de donde nace un material sonoro original. Tan orgánico como meditativo.

Samy Thiébault escribe regularmente para teatro y cine, como el Festival de Avignon 2009 con la pieza Matei Visniec: L´histoire des ours pandas, para la película de Yvon Marciano Vivre en 2009 y para la película de Edouard Tissot En son absence en 2010. También imparte clases de saxofón y de improvisación musical en el Conservatorio de Choisy Le Roi. Disfrúntelo en nuestra web.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

agosto 20, 2014

El Satin Doll de John Pizarelli




John  Pizzarelli es considerado el guitarrista más "simpático" del jazz, por su estilo neo-tradicional y su manera autóctona de interpretación. En casi toda su carrera ha conseguido hacerse un lugar entre los músicos e intérpretes de mayor proyección en la escena del jazz a nivel mundial. Es un guitarrista y cantante con mucha naturalidad y talento, producto de la influencia ejercida por su padre, el también guitarrista Bucky Pizzarelli. 

Se trata de un artista sumamente inteligente, que ha sabido mantenerse en un nicho de mercado donde muy pocos tienen la oportunidad de perdurar. Todas sus producciones poseen un sólido criterio y exhiben un estilo del jazz más natural que hoy por hoy se conoce. 

En el pasado y en esta línea, Pizzarelli ha grabado álbumes dedicados a The Beatles, Nat King Cole, Frank Sinatra o el bossa nova. Además de su padre, Djiango Reinhardt y Les Paul son sus dos guitarristas favoritos e influyentes, algo que se manifiesta en todos y cada uno de los temas que interpreta. 
Escuchémoslo con el standard Satin Doll de Billy Strayhorn y Duke Ellington.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

agosto 04, 2014

Avishai Cohen: jazz con fusión y sonidos israelíes




El contrabajista, compositor y cantante, Avishai Cohen, es considerado el más destacado músico de jazz de Israel y ha sido designado por la revista Bass Player como uno de los bajistas más influyentes del siglo XX. Ex miembro del grupo "Origin" de Chick Corea, ha grabado y acompañado a otros grandes músicos como Bobby McFerrin, Roy Hargrove o Herbie Hancock. En la actualidad, es el líder de un brillante trío donde mezcla el jazz, con las melodías de Oriente Medio y en los que el contrabajista israelí suma a su poderoso instrumento una voz lírica como pocas y melodías encantadoras cantadas en hebreo, castellano y ladino.


Cohen, quien está considerado uno de los grandes músicos de la escena jazz contemporánea, con catorce álbumes publicados como solista, apunta a ampliar los límites del jazz con la música clásica de cámara, el repertorio tradicional judío y la música ladina, y donde la voz se vuelve un instrumento central. Un proyecto que ha dado sus frutos y le valió premios y reconocimientos internacionales.


Lo acompañan dos jóvenes talentos procedentes de Israel. Nitai Hershkovits, el pianista "Dedos de oro" que Avishai descubrió en un pequeño café en Tel Aviv, y ha grabado en sus últimos discos, y el baterista Daniel Dor al que se le reconoce un estilo propio. 




Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Tony Bennett y Lady Gaga, juntos de nuevo




Estaba anunciado desde hace más de un año y han estado trabajando en él durante el mismo tiermpo. Ahora se ha anunciado la fecha de lanzamiento del álbum con "standards" de jazz de Tony Bennett y Lady Gaga: 23 de septiembre.

Ambos artistas ya habían grabado juntos en segundo de los álbumes llamados Duets que Bennett produjo con distintos cantantes de ambos sexos anteriormente, pero en esta oportunidad será sólo un dúo de ambos, con arreglos para big band de jazz y solos instrumentales.

Mucho antes de la asociación musical anterior de Lady Gaga con Tony Bennett, ella había declarado que deseaba grabar un disco de jazz.

En una entrevista de la Associated Press la cantante dijo que su amor por el jazz era un secreto que ella tenía desde niña y que Bennett se había enterado de él. "Me siento mucho más cómoda con el jazz que con el pop o los rhythm and blues  --dijo Gaga--, he cantado jazz desde los 13 años y ese era un secreto que Tony descubrió.  De manera que esto es más facil para mi que cualquier otra cosa".

Bennett ha predicho que Lady Gaga será más famosa que Elvis Presley, "va a estar con nosotros para siempre", ha comentado.

El álbum de "standards" se llamará Cheek To Cheek y será lanzado por Sony Music. Allí tienen un adelanto: Anything Goes.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

agosto 03, 2014

Ábe Rábade: nuevos códigos del jazz




Ábe Rábade es un pianista y compositor español, nacido en Santiago de Compostela el 8 de septiembre de 1977, que se ha formado en el Conservatorio de Santiago de Compostela (1982-1986), Estudió en la Escola de Música (1986-1995) y en el prestigioso, Berklee College of Music (1995-1999) donde obtuvo una Licenciatura doble cum laude en Jazz Composition y Piano Performance. Ha estudiado con músicos como Suso Atanes, Dave Frank, Joanne Brackeen, Ray Santisi, Barry Harris, Paul Schmeling, Hal Crook, Greg Hopkins, Ken Pullig y Jamey Haddad.

Desde 1996 hasta 2008 desarrolla el proyecto "Abe Rábade Trío" junto a Paco Charlín (contrabajo) y Ramón Ángel (batería con el que actúa en España, EEUU, Cuba o Portugal. Desde el año 2000 lidera el grupo "GHU! Project" compuesto por su trío y Jesús Santandreu (saxos) y Chris Kase (trompeta).

Desde 2008, una nueva sección rítmica, formada, además de Ábe Rábade, sino también por Pablo Martín Caminero (contrabajo) y Bruno Pedroso (batería), publica los álbumes Zigurat (Karonte Records, 2010), A Modo (Karonte Records, 2012) y VerSons (Karonte Records, 2013). Con su cuarta producción discográfica en formato trio Zigurat (2010) reciben el premio al Mejor Disco de Jazz otorgado por la UFI (Unión Fonográfica Independiente).

El trío apuesta por la exploración rítmica, armónica y melódica. Su repertorio se basa en temas originales de Abe Rábade junto a referencias del jazz ortodoxo que incluyen temas de muy diversas procedencias como el fado portugués o los standards de jazz.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Mario Biondi: la voz insurgente del jazz soul






Este tipo es realmente sorprendente. Mario Biondi es una de las voces insurgentes del jazz y del soul que ha cautivado a Europa y Estados Unidos. Tras su debut el año 2006 con Handful Of Soul, este cantante italiano no ha parado de dar satisfacciones con discos que, teniendo siempre como referencia el soul jazz de los 70' y 80', rezuman gusto y elegancia con unos niveles de calidad en su producción más propios de los "grandes" del estilo, casi siempre americanos o ingleses.

Proyectando en el oyente una atmósfera propia de Isaac Hayes o Barry White, Biondi sabe manejarse a la perfección con canciones compuestas por él o sus músicos y personalizar con arreglos muy cuidados versiones de otros autores, así como clásicos del jazz o R&B.

Sus producciones han ido a más en la medida en la que su música y estilo se han ido internacionalizando con el paso de los años. Ahora, sumando la experiencia acumulada en su discografía anterior, Mario Biondi editó recientemente Sun, un álbum para disfrutar a tope de su música y estilo. Para empezar y terminar su nuevo trabajo, como si el disco hubiera sido grabado en directo, una voz le presenta ("Intro") y despide ("Outro") enumerando todos los artistas y músicos que han intervenido en la grabación. 

Al Jarreau realiza con Mario un dueto muy especial en Light To The World en uno de los mejores cortes del disco y canción que seguro les recordará el estilo de Jarreau de sus primeros tiempos. Otro de los números destacados es Lowdown (Boz Scaggs), arropado por la cantante Chaka Khan y el grupo inglés Incognito. 


Escúchenlo con el tema La Voglia La Pazzia L'Idea, con un arreglo de bossanova excepcional.


Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Un tributo al fallecido Charlie Haden




El pasado 11 de julio falleció el histórico contrabajista Charlie Haden, quien adquirió fama a finales de los cincuenta por sus colaboraciones con el cuarteto de free jazz que lideraba el saxofonista Ornette Coleman, y a mediados de los setenta fue un miembro clave de la agrupación encabezada por el pianista Keith Jarrett. En su larga carrera en solitario destaca su Liberation Music Orchestra (1969), un disco inspirado en las canciones de la Guerra Civil española que le sirvió como protesta contra los bombardeos norteamericanos en Camboya.

El siguiente de los cuatro álbumes que grabó con esa formación, junto con la pianista y compositora Carla Bley, tardó 14 años en llegar, con el título The Ballad of the Fallen, de nuevo impulsado por el afán de experimentación y el compromiso político izquierdista.

El más reciente, de 2005, fue Not in Our Name, una respuesta musical a la guerra en Irak. Charlie Haden llegó a pasar por la cárcel en Lisboa en 1971, cuando en un festival en el que tocaba con Coleman dedicó su Song for Ché a los movimientos de liberación de Mozambique y Angola.

En 1987 formó su otro grupo duradero, Quartet West, con el que logró un importante éxito comercial y reconocimiento de la crítica.

Entre la larga lista de nombres con los que ha colaborado destacan también Chet Baker o el guitarrista Pat Metheny, con quien grabó recientemente la banda sonora de la película de David Trueba Vivir es fácil con los ojos cerrados (2013), ganadora de la última edición de los Goya.

Haden murió en Los Ángeles, tras una larga lucha contra los efectos degenerativos de la polio que contrajo en su juventud. Encontró un lugar en la historia del jazz.


Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

julio 21, 2014

La Chica de Ipanema arriba a 52 años




A estas alturas muchos músicos de jazz la evitan, o la odian, o no la incluyen en sus repertorios. Y la razón no es que sea una composición mala, simple o trivial, sino que  --por el contrario-- ha sido tan amplia y desmedidamente interpretada a través de los años, que "se quemó". Es similar al caso de  Summertime, que ha tenido tantas interpretaciones y se ha improvisado tanto sobre él, que ha "cansado" a los músicos.

La Chica de Ipanema es una de las numerosas  composiciones geniales de Antonio Carlos Jobim y posiblemente la de mayor éxito comercial (otro aspecto negativo para los jazzistas). Fue el tema que abrió las puertas a la Bossa Nova y del "jazz samba" en los EEUU y en el mundo entero en 1962, en la interpretación de Stan Getz con Astrud Gilberto y Joao Gilberto, versión que ha vendido millones de discos en cinco décadas. Pero también se incorporó al repertorio de Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, Amy Winehouse, la orquesta de Count Basie y otras, así como de un sinnúmero de músicos de jazz a través de los años.

El origen de cómo se inspiraron Jobim para la música y Vinicius De Moraes para la letra, al observar a una joven bañista en la playa de Ipanema, ha sido descrito también hasta el cansancio. Pero lo importante es que, comercial o no, esta composición ha sido una de las principales que el jazz adoptó de la producción de bossa-nova de los años 60 y, les guste o no a los improvisadores creativos, quedó entronizada en la historia del jazz contemporáneo. Como muchas otras de Tom Jobim.

En el video de abajo vemos y escuchamos a los gigantes del jazz Herbie Hancock, Joe Henderson, Ron Carter, Gonzalo Rubalcaba, Alex Acuña, Jon Hendricks y Gal Costa, entre otros, tocando e improvisando con el propio Antonio Carlos Jobim, en un tributo que se le hizo en 2002 y quien, en ciertos momentos, canta compases de "Take The A Train", que coinciden con la armonía de su famosa composición:



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Es Dios

"Esa lengua de fuego se abría despiadada, como urdiendo en el alma y buscando donde cabalgar. Resoplaba fuerte, escrutaba el ojo, mordía la mente y ondeaba su calor, como haciéndonos sentir que somos una miniatura, una milmilésima parte del universo. Esa lengua de fuego, creación al fin, es lo mismo que la hoja, que la piedra, que el agua, que el ave, que la hierba. Es Dios".

La compuerta de la vida

"A veces, casi inerme, entrebusco la fórmula de la vida, y encuentro una melodía que me exige respirar, profundo, restituyéndome la fe en el futuro. Sólo Dios abre la compuerta de la vida, y la música es el compás de espera a la perfección, el estadío más emocionante del ser humano".

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