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julio 17, 2012

Una hora con los Yellowjackets... disfruten!



En mayo de 2008, la histórica banda de jazz fusión, Yellowjackets, realizó su 20° trabajo, titulado Lifecycle, para el sello HeadsUp International. Lifecycle cuenta con la colaboración del guitarrista y compañero de sello Mike Stern, haciendo la primera grabación en quince años de los Yellowjackets con guitarra (Run For Your Life de 1994 había contado con Robben Ford en el tema Even Song). El álbum fue nominado para un Grammy 2009 en la categoría "Best Contemporary Jazz Album". Russell Ferrante fue también nominado en la categoría de "Best Instrumental Composer" por el tema Claire's Closet.

La banda nació en 1979 cuando el cantante y guitarrista, Robben Ford, reunió a un grupo de veteranos músicos de estudio para grabar en el sello Wea, el álbum The Inside Story. Entre ellos estaban el pianista Russel Ferrante y el bajista Jimmy Haslip, quienes hoy integran la banda junto al saxofonista Bob Mintzer y el baterista Will Kennedy.

En la música, las bandas van y vienen. Pero también hay bandas estables que se mueven hacia delante y con mucha fuerza en la escena musical del Jazz. Los Yellowjackets son un claro ejemplo de ello.

En 2011 celebraron sus 30 años de carrera, con el álbum Timeline, Ese año realizaron un concierto en Alemania, que es el que van a disfrutar. Los temas que ejecutarán son:

  0:00 - Spirit of the West
  8:29 - Red Sea
17:55 - Tenacity
25:28 - Clara's Song
32:32 - Green House
43:38 - Why Is It
53:48 - Revelation

Pónganse cómodos, pongan la pantalla grande de su computadora y disfruten una hora con esta excelente banda.



Blog creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

julio 15, 2012

Chris Potter: saxo, fuerza y vanguardia



Chris Potter es uno de los saxofonistas más vistosos de la actualidad, por la fuerza que imprime a sus interpretaciones. Potter es un músico de vanguardia, artista de culto, con una magistral capacidad para asumir los retos de las nuevas tendencias del jazz.

Después de tocar con Marian McPartland en una grabación para Concord en 1993, In my life, el aventurero saxofonista se convirtió en un miembro sorprendente de lista de Concord, finalmente grabando cinco álbumes para esta compañía, así como el mencionado dúo con Werner. Su último trabajo con Concord (Vértigo, 1998), fue nombrado uno de los diez mejores trabajos por Jazziz y The New York Times.

Chris también actuó con los nominados a los Grammy, Steely Dan, álbum de oro Two against Nature, y se fue de gira con ellos en 1994, de lo cual se extrajo un CD en directo, Alive in America.

Potter recibió su propia nominación a los Grammy como Best Instrumental Jazz Solo por su trabajo con Joanne Brackeen, Pink Elephant Magic. Y el destinatario más joven que nunca haya recibido el premio anual Danish Jazzpar.

Aunque ha actuado extensamente con el increíble bajista y compositor Dave Holland en varios conjuntos, Potter ha estado actuando alrededor del mundo con sus propios grupos desde que lanzara Gratitude a principios de 2001. Actuó por toda Europa (incluido París, Londres, Florencia y el North Sea Festival), Canadá (festivales en Montreal, Toronto y Vancouver) y en los mejores clubes de Estados Unidos así como una colaboración en el Monterrey Jazz Festival.

Vamos a escucharlo con su más reciente trabajo titulado Underground.
 


Blog creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

julio 09, 2012

Vijay Iyer: enérgico y multicultural



Vijay Iyer es un pianista norteamericano, nacido en Nueva York (1971), de padres indios tamiles que se mudaron en 1964 buscando mejor vida en los Estados Unidos, aprovechando entonces un cambio en las leyes de inmigración de ese país para  inmigrantes no occidentales. Entre sus influencias figuran Thelonious Monk, Duke Ellington, John y Alice Coltrane, Randy Weston, Sun Ra, así como una gran cantidad de compositores contemporáneos, un montón de hip-hop, soul, rock y música electrónica, percusión africana, y la música de la India.

Vijay es un talento con un estilo enérgico, donde se puede apreciar el cruce de influencias rítmicas de oriente y occidente. Es un músico que domina el piano y el violín, entre otras facetas. Se puso a tocar el piano de oído de muy joven, no mucho después de empezar con clases de violín, aunque fue el primero el que escogió como su instrumento más personal y más liberador. Vijay explica la diferencia entre ambos: "El piano es polifónico y puede ser percusivo o lírico. El violín es melódico y puede sonar muy molesto a veces". Es un artista inquieto, culto y pegado a su época, que se siente atraído también por la electrónica y la programación musical.

Vamos a escucharlo con el tema Galang, del álbum Historicity, nominado al Grammy en 2010 como Mejor Álbum de Jazz Instrumental, y seleccionado Álbum del Año por muchas publicaciones, entre ellas Downbeat Magazine, la Encuesta Anual de Críticos de Jazz de Village Voice, The New York Times y Los Angeles Times. Su trío, compuesto además por el baterista Marcus Gilmore y el bajista Stephan Crump, obtuvo el Premio Jazz Echo 2010 (considerado el Grammy alemán) como Mejor Ensamble Internacional. Además ese año fue nombrado Músico del Año por la Asociación de Periodistas de Jazz. El video fue grabado por Daragh McCarthy.



Blog creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Stacey Kent: dulce y exquisita



Summer Samba (o So Nice, o por su título original en portugués Samba de Verão) es un tema compuesto en 1966 por el compositor Marcos Valle, con letra en inglés de Norman Gimbel; la letra original en portugés llegó de la mano de Paulo Sérgio Valle, hermano del compositor.

La canción fue la primera popularizasa por el trío de Walter Wanderley en 1966, en el álbum Rain Forest, con el cual alcanzó Disco de Platino en 1970, e igualmente varias carteleras en la categoría Easy Listening del hit parade estadounidense con versiones de Johnny Mathis, Vikki Carr y Connie Francis, en el mismo año. De hecho, las tres diferentes versiones estuvieron en las carteleras de la revista Billboard al mismo tiempo en 1966.

Allmusic señala que la versión de Wanderley es considerada el bossa nova mejor acabado después de Garota de Ipanema, y fue la más vendida en los Estados Unidos, alcanzando el puesto Nro. 26 en la cartelera de los Hot 100 de Billboard en 1966. Aún sigue siendo favorita en las estaciones de radio de la categoría Adulto Contemporáneo.

Otras notables versiones son las de Astrud Gilberto y Bebel Gilberto, ambas muy usadas en programas de televisión y en muchas canpañas publicitarias. En el año 2000 la canción fue grabada por más de 180 artistas alrededor del mundo.

La versión que van a escuchar es de la novísima cantante Stacey Kent, quien comenzó su carrera a comienzos de los 90's, cantando regularmente en un popular nightspot, el londinense Café Boheme del Soho. El 31 de marzo de 2009 recibió, de manos de la Ministra de cultura francesa Christine Albanel, la Ordre des Arts et des Lettres, una condecoración del gobierno francés como reconocimiento a su contribución a las artes. La cartelera de jazz semanal europea JazzWeek la ubicó la primera semana de julio de décima entre los diez artistas más escuchados, con su álbum Dreamer In Concert.



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julio 05, 2012

Nikki Yanofsky: un prodigio de tan sólo 18 años



El nombre de esta joven es Nikki Yanofsky y cuenta con tan solo 18 años. Es canadiense y es un prodigio de cantante. Sin embargo, ya es una de las vocalistas de jazz más reconocidas por el público y la crítica. Su estilo es convencional, soft, agradable, tradicionalista, ortodoxo. Canta preferentemente standards. No experimenta, tampoco intenta ser vanguardista. Después de todo, ¿qué más se le puede pedir a una casi niña que bien podría haber optado por la música pop y el facilismo comercial?

Se hizo famosa a partir de su debut en el Festival Internacional de Jazz de Montreal, en 2006, cuando sólo tenía doce años de edad (nació el 8 de febrero de 1994, en Montreal, Canadá), para ser la artista más joven que se haya presentado en dicho festival a lo largo de su ya añeja historia.

Su primera grabación la hizo para Verve Records, con una participación en el álbum We All Love Ella: Celebrating the First Lady of Song (2007), con la canción Airmail Special. Con ello, se convirtió en la cantante más joven en haber grabado para esa prestigiada marca disquera, una de las más importantes del jazz. Un talento al cual hay que seguir desde este instante.


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julio 04, 2012

"La Chica de Ipanema" llega a los 50 años


Helô Pinheiro: la Chica de Ipanema, antes (18 años) y hoy (67 años).

El clásico Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema) cumple este año cinco décadas, desde que fue compuesto por Vinícius de Moraes y musicalizado por Antonio Carlos Jobim. La canción, que ha sido interpretada por cientos de artistas y en diferentes estilos rítmicos a lo largo de los años, fue compuesta originalmente para una comedia musical, en 1962, y se convirtió en una de las melodías más reconocidas de Brasil.

La canción, compuesta en 1962, iba a ser titulada Menina que passa, pero finalmente tuvo su nombre por el que se hizo conocida, inspirada en la entonces joven Helô Pinheiro, quien hoy es toda una señora de 67 años, que retiene buena parte de la belleza que hace medio siglo sedujo a los músicos Vinicius de Moraes y Tom Jobim, quienes pensando en ella y en sus paseos por Ipanema compusieron la célebre canción 'Mira que coisa mais linda', ya convertida en un himno de Brasil.

Corría el año 1962 cuando Vinicius y Jobim dedicaban varias horas al día a beber whisky en el Bar do Veloso, en la antigua calle Montenegro de Ipanema (hoy Vinicius de Moraes), en Río de Janeiro, desde donde espiaban el «dulce balanceo» de las caderas de esa jovencita cuando iba a la playa o hacía recados para sus padres.

La 'garota' icónica es ahora una empresaria que a sus 67 años conserva la frescura, espontaneidad y elegancia que fascinó a los maestros de la música brasileña medio siglo atrás. Y que hoy recuerda cómo Jobim llegó a pedirle «varias veces» que se casara con él a pesar de los 18 años de diferencia entre ambos. Pinheiro escucha la canción cada vez que suena su teléfono móvil cuando recibe llamadas.

La canción es uno de los íconos del bossa nova, ritmo brasileño que se emparentó para siempre con el jazz, cuando alcanzó su internacionalización. Formó parte del emblemático álbum Getz/Gilberto, de 1964, donde intervienen en lsaxofonista Stan Getz, Joao Gilberto y Astrud Gilberto. 



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julio 01, 2012

Brad Mehldau Trio vuelve a la carga con "Ode"



Esto es lo más reciente de Brad Mehldau Trio, el álbum Ode y el tema M.B., en homenaje al fallecido Michael Brecker. El álbum es el primero grabado en estudio por el trio desde 2005 y contiene 11 temas originales compuestos por Mehldau. Disfruten, con toda atención posible, de este excelente pianista de las nuevas generaciones, con su trio, acompañado del bajista Larry Grenadier y el baterista Jeff Ballard.

Aunque los once temas son composiciones originales del propio pianista, no es hasta la ejecución definitiva de las piezas con la aportación de todos los músicos cuando Mehldau considera que han tomado la dirección correcta. Una forma de improvisación “aparentemente dirigida”, de composición sobrevenida, “in motion”, que no deja ni mucho menos al compositor en un nivel inferior.

Para Mehldau, Ode no es un tratado de teoría cuántica en el jazz sino que tiene una naturaleza perfectamente lírica. Cada pieza ha sido concebida con la mente puesta en un personaje o situación concreta que de una u otra manera ha influido personalmente en su creador. En cada una de ellas Mehldau ha procurado dejar un rastro sutil o no que reconoce al homenajeado. La que abre el disco por ejemplo, M.B., está dedicada al gran Michael Brecker, viejo mentor espiritual, con el que el propio Mehldau tuvo la fortuna de tocar poco antes de su muerte. Kurt vibe apela a la densidad narrativa del guitarrista Kurt Rosenwinkel y escrita pensando en cómo la compondría y tocaría él mismo. O Eulogy for George Hanson, sobre el personaje que hacía Jack Nicholson en Easy Rider y cuya muerte supone una impagable metáfora – de la que Mehldau se sirve nuevamente con esta pieza oscura– sobre el final del sueño de los 60.



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Double Exposure: lo más reciente de John Pizzarelli



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Chet Atkins: sonido inconfundible



El 30 dejunio de 2001 falleció el connotado guitarrista Chet Atkins, uno de los más influyentes del género de jazz en los últimos 40 años. Es uno de los casos más admirables, por sus inicios autodidactas. Pero su carrera estuvo llena de gloria y grandes episodios musicales. Atkins hizo sus propios discos que, por lo general, tomaban normas de pop y de jazz, en un estudio propio sofisticado en su casa, a menudo grabando las pistas de ritmo en la radio RCA, pero añadiendo sus partes de solo en casa, refinándolo todo hasta que el resultado lo satisficiera. Los guitarristas de todos los estilos llegaban de todas partes para admirar sus álbumes debido a sus ideas musicales únicas y en algunos casos, sus ideas electrónicas experimentales.

En este período Atkins se hizo conocido internacionalmente como Mister Guitar (Señor Guitarra), que es también el nombre de uno de sus álbumes. Su marca registrada para tocar, "el Estilo de Atkins", es muy difícil de dominar para un guitarrista. Consiste en usar el pulgar y los primeros dos -a veces tres- dedos de la mano derecha. Atkins desarrolló este estilo al escuchar a Merle Travis de vez en cuando de una radio primitiva. Él estaba seguro de que nadie podría tocar esto articuladamente con solamente el pulgar y el índice (que en realidad era exactamente como Travis lo tocaba) y asumió que para esto se requerían el pulgar y dos dedos. Así llegó al estilo que él promovió y dominó.

Vamos a escucharlo junto al bajista Stanley Jordan con el tema Stardust (Hoagy Carmichael, 1927).


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Es Dios

"Esa lengua de fuego se abría despiadada, como urdiendo en el alma y buscando donde cabalgar. Resoplaba fuerte, escrutaba el ojo, mordía la mente y ondeaba su calor, como haciéndonos sentir que somos una miniatura, una milmilésima parte del universo. Esa lengua de fuego, creación al fin, es lo mismo que la hoja, que la piedra, que el agua, que el ave, que la hierba. Es Dios".

La compuerta de la vida

"A veces, casi inerme, entrebusco la fórmula de la vida, y encuentro una melodía que me exige respirar, profundo, restituyéndome la fe en el futuro. Sólo Dios abre la compuerta de la vida, y la música es el compás de espera a la perfección, el estadío más emocionante del ser humano".

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