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diciembre 26, 2009

Un regalo de Navidad: Santa Claus Is Coming To Town

Para celebrar con ustedes el éxito de nuestro blog, queremos ofrecerles un regalo de gran calidad musical: Ray Charles, interpretando Santa Claus Is Coming To Town (Santa Claus llegó a la ciudad). Feliz Navidad y Próspero 2010.



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El jazz vocal de Neri Per Caso: 'Quando'


Neri per Caso es un grupo musical de Salerno, Italia. Los miembros del grupo son los hermanos Ciro y Diego Caravano y los hermanos Gonzalo y Mimi Caravano, primos entre sí, y Mario y Massimo de Crescenzo Divitiis.

El nombre del grupo nació una noche cuando Claudio Mattone asistio a una presentación en un local en Roma y vio a todos sus amigos vestidos de negro, con pantalones vaqueros y camisa negra, les preguntó si ellos siempre se vestian igual, al escuchar la respuesta en este caso Claudio Mattone le cambio el nombre a su grupo por el de Neri per Caso (Negros por ocasión).

En abril de 2007 participó en Notte degli Angeli (Noche de los Ángeles) transmitido por Rai International en todo el mundo, organizado por Ruggero Pegna para Natuzza Evolo. En el momento de la salida de la edición restaurada y remasterizada de la obra maestra de Disney El libro de la selva, en noviembre de 2007, interpretaron a capella la canción Siamo tuoi amici (Somos tus amigos), que pasó a formar parte de los contenidos de esta publicación especial.

Por unos años dieron conciertos en todo el mundo y el 15 de febrero de 2008 se publicó su nuevo álbum, titulado Angoli Diversi (Diferentes Ángulos), producida por Tullio Mattone y con la participación de once grandes nombres de la música italiana como Mango, Lucio Dalla, Luca Carboni, Samuele Bersani, los Pooh, Claudio Baglioni y Gino Paoli, que, en ocasiones, han reinterpretado con el grupo algunas canciones de su repertorio "a capella". El álbum What a Fool Believes fue realizado con el jazzista Mario Biondi (Ver a Mario Biondi en con video del tema This Is What You Are, en nuestro blog).

En marzo de 2009 Angoli Diversi ganó el premio de CARAS (Contemporary A Cappella Recording Awards).

Disfruten a Neri Per Caso con uno de sus temas más emblemáticos, Quando, incluido en el álbum Le Ragazze.


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Esperanza Spalding: Body and Soul... extraordinario (español)

La contrabajista estadounidense Esperanza Spalding nos vuelve a sorprender con una versión del clásico Body and Soul (Heyman, Sour, Eyton and Green), cantada en español. Póngale atención al breve skat que desarrolla esta sobresaliente artista. No tiene desperdicio. Pulsen el botón > play y adelante. Agradecemos sus comentarios. Ver más información de Esperanza Spalding en Todos los Archivos / Octubre 2009, columna derecha del blog.



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diciembre 24, 2009

Chet Baker: otro aniversario de su natalicio


Se cumplió recientemente un aniversario más del nacimiento de Chet Baker, quien nació el 23 de diciembre de 1929. No hay duda de que Baker -conocido como el "James Dean del Jazz"- fue uno de los gigantes del jazz y excelso ejecutor de la trompeta, con un estilo íntimo, melancólico y refrenado, y con una gran capacidad de improvisación que muchos músicos admiraron. Baker también fue un particular vocalista de jazz, con una voz cálida, emotiva y "delgada". Obtuvo inumerables premios y distinciones, y por muchos años estuvo entre los primeros lugares en en renglón "trompetistas", según las encuestas de la época, en los años 50. Baker impulsó los estilos Cool y West Coast, pero también se dejó influencias por otros músicos de la talla de Charlie Parker. Tuvo una vida personal muy irregular y atormentada, lo cual le generó problemas permanentes con la ley. Dejó un legado de unos 150 álbumes.

Baker murió en circunstancias poco claras al caer de un balcón de un hotel de Amsterdam, en mayo de 1988. Muchos sostienen que gran parte de su genialidad provenía precisamente de la vida tan irregular e intensa que tuvo y que le permitió ser una figura admirada no obstante su dependencia con las drogas. Hoy estaría cumpliendo 80 años.

En el documental de Bruce Weber, sobre Baker, Let's Get Lost, premiado hace 21 años en Venecia, pero reestrenado este año, se podía ver a un Baker con la cara ajada, profundas arrugas, los labios arrugados, de los que salía, en brutal contraste, aquella voz, dulce, ingenua, sensual, y, sobre todo, joven: la misma voz de sus años de mayor éxito, cuando era el rey del cool blanco de la Costa Oeste. Toda una historia la que cuentan esas arrugas y esa voz. Un documental conmovedor, con momentos musicales cautivadores, no exento de dureza, filmado de forma fascinante por Bruce Weber, que nos trae al gran trompetista poco antes de su muerte (en circunstancias que agrandan la leyenda). Una película para hacer aún más mito a Baker, que a pesar de su estado físico despliega todo su magnetismo y seduce con su música.

Recomendamos leer: Chet Baker, el ángel desdentado, pulsando el siguiente link:
http://www.elperiodico.com.gt/es/20091223/cultura/130093/



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diciembre 22, 2009

Hargrove Big Band: una fusión sin complejos (nuevo CD 'Emergence')

El CD Emergence es lo más reciente del trompetista Roy Hargrove, quien a lo largo de su carrera se ha paseado por los más disímiles modos del jazz, pero siempre con su trompeta y su flugelhorn como protagonistas principales. En Emergence, el músico texano explota con un sonido enérgico, siendo además la primera vez que graba con su big band, lo que le hace cumplir un sueño de sus tiempos iniciales en la música. Este álbum le ha valido el reconocimientos de los distintos sectores de la crítica de jazz, incluidos los más conservadores, pues reconocen en este trabajo un esfuerzo por hacer llegar el jazz a un nuevo tipo de oyente.

Hargrove se pasea por todos los caminos musicales, desde lo más tradicional, como el standard de Richard Rodgers, My Funny Valentine, pasando por la fusión, hasta lo latino, con el tema Mambo For Roy, de Chucho Valdés, apoyado del grupo afro-cubano Crisol, y la ejecución del conocido bolero La Puerta, que es interpretado por Roberta Gambarini, quien también participa en Every Time We Say Goodbye, de Cole Porter.

Emergence es un arcoiris de estilos, un compendio de madurez musical que hace de Hargrove uno de los músicos más atrevidos de la actualidad. Entre los temas propios figuran Requiem, el más largo del álbum (cerca de 14 minutos), compuesto por el trombonista texano Frank Lazy. Asimismo, se puede apreciar el tema Ms. Garcey, Ms. Garvey del flautista y barítono Jason Marshall, y The Joint y Roy Allan, del propio Hargrove, que es el tema que van a disfrutar en el video a continuación, en el más puro sonido big band.

Jan Garbarek: jazz con raíces espirituales


Jan Garbarek (04/03/1947) es un saxofonista noruego, tenor y soprano, cuyas piezas han sido utilizadas en muchas ocasiones para formar parte de bandas sonoras cinematográficas. Por ejemplo, Rites (del álbum Rites, 1998) fue adaptada para The Insider, película de Michael Mann. Garbarek ha colaborado con frecuencia con Keith Jarrett, Egberto Gismonti, Gary Peacock, Miroslav Vitous, Zakir Hussain, Charlie Haden, Anouar Brahem y Ralph Towner. Ha publicado casi todos sus discos en el sello ECM.

El estilo de Garbarek se puede calificar como un jazz post-free estilizado, "a la europea". El sonido de su saxo es claro y melancólico. Sin embargo, su trabajo trasciende el circuito meramente jazzístico y se enzarza con música de tradición hindú, música de cámara contemporánea e incluso música sacra del renacimiento. En este sentido, destacan sus colaboraciones con The Hilliard Ensemble Officium (1993) así como Mnemosyne (1999) en donde las improvisaciones con el saxofón de Garbarek se mezclan con los cantos gregorianos del coro Hilliard, y la interpretación de composiciones de Arvo Pärt.

Según el portal wwww.apoloybaco.com, el prolífico Jan Garbarek se inspiró inicialmente en el saxofonista alto, Johnny Hodges, hasta que llegaron más adelante, Miles Davis y John Coltrane, sus verdaderos maestros y quienes ejercieron en é su mayor influencia estilística. En 1961 ganó un concurso de aficionados y a los 18 años ya estaba en la orquesta de George Russell con quien grabó la "Otello Ballet Suite".

diciembre 20, 2009

Chris Botti con 'My Funny Valentine': dulzura y melancolía

Procedente de Oregon, EEUU, Chris Botti comenzó como trompetista de sesión de Bob Dylan, Aretha Franklin y Thomas Dolby, entre otros, guiado por los productores Hugh Padgham y Arif Mardin. Tras unirse a la banda de Paul Simon en 1990, hizo giras durante 5 años hasta lanzar su álbum de debut First Wish (1995), un trabajo que combinaba armonías de jazz con art rock. En 1997 editó su segundo LP, Midnight Without You, seguido de Slowing Down the World en 1999. Tras unirse a la gira mundial de Sting "Brand New Day", editó Night Sessions en octubre de 2001.

Este álbum se convirtió en un importante éxito del jazz contemporáneo desde su lanzamiento. Columbia lanzó un DVD de Night Sessions Live in Concert en agosto de 2002. Filmado en directo en el histórico “El Rey Teatro” en Los Ángeles, “Chris Botti and Friends” fue presentado por el trompetista con su propia banda mas la aparición de Sting y Shawn Colvin como artistas invitados.

Escúchenlo con My Funny Valentine, el emblemático tema de de Richard Rodgers, que hizo inmortal a Chet Baker. Pero Botti no es Baker, es otra cosa, otro tiempo, otra historia.



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diciembre 17, 2009

Mario Biondi: reviviendo la música negra


Esto que ahora les queremos brindar es realmente extraordinario. Se trata del cantante Mario Biondi, un vocalista italiano, de Catania, Sicilia, que, simplemente escuchándolo, da la sensación de ser un cantante estadounidense, negro, de más de cincuenta años, y que acaba de atravesar el tunel del tiempo, como si viniera de las décadas de los 60 o 70. Su voz cálida y penetrante, preñada de soul, recuerda a la de los grandes del género, y quizá eso tenga mucho que ver (además de por lo buena que ha sido la genética con él), con el hecho de que, en calidad de amante de R&B y del soul, haya siempre escuchado a artistas como Earth Wind & Fire, Donny Hattaway, Billy Paul, Luther Vandross, Lou Rawls, Aretha Franklin, Eryka Badu o Will Dowing, entre otros.

Sin duda, es una de las más gratas sorpresas del comienzo del siglo XXI en lo que a vocalistas de música negra se refiere. Se dio a conocer en uno de los mejores sellos a la hora de desarrollar la carrera de cantantes, el italiano Schema Records, que ya había encumbrado, por ejemplo, a Rosalia De Souza, poniendo a su disposición los mejores productores, compositores y músicos. Lo mismo ocurrió en el caso de Mario Biondi, pues su debut, Handful Of Soul, fue muy interesante desde el punto de vista artístico y, además, un sorprendente éxito, pues se vendieron más de 400.000 copias en todo el mundo.

No obstante, tras convertirse en una estrella en Italia gracias a la buena acogida de su primer trabajo, el italiano decidió no seguir en Schema Records y optar así por una música considerablemente más comercial, cercana a los gustos mayoritarios en materia de pop y soul, en lugar de por el más interesante jazz de su debut.

Escúchenlo con su Hight Five Quartet, con el tema This Is What You Are, del álbum Handful of Soul. Extraordinario.



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Jamie Cullum: la sensación del jazz


Jamie Cullum es la gran sensación del jazz y del pop en la actualidad. Cullum nació el 20 de agosto de 1979 en Whiltshire, Essex (Inglaterra). Su madre, Yvonne, es una secretaria de origen anglo-birmano; y su padre John Cullum, trabajaba en finanzas. Su abuelo paterno fue oficial de la armada inglesa, mientras que su abuela paterna fue una judía refugiada de Prusia que cantaba en discos en Berlín; Cullum la ve como su «icono cultural». Fue criado en Hullavington, Wiltshire, pero actualmente reside en North West London. Empezó su carrera musical a los dieciséis años, tocando en bares, clubes y hoteles de su pueblo natal. Años más tarde se trasladó a la Universidad de Reading, para estudiar cine y literatura inglesa.

Fue durante esta etapa cuando comenzó a componer y a tocar su propia música para acompañar los cortometrajes que hacía como parte de su curso. Además, Cullum aprovechaba para dar algunos conciertos con su grupo Jamie Cullum Trio, de los cuales nació un primer disco titulado Hear it all before, en 1999, del cual sólo se hicieron 500 copias; debido a su rareza, copias originales de este disco llegan a ser vendidas hasta por £1000 en eBay. Gracias al éxito de su primer disco, Jamie Cullum fue invitado a participar en el disco de Geoff Gascoyne, Songs of the Summer. Luego logró sacar un segundo CD, Pointless Nostalgic, el cual llamó la atención de personalidades de la talla de Michael Jackson, entre otros.

A pesar de que Pointless Nostalgic lo editó un sello de jazz pequeño (Candid), la música de Cullum atrajo la atención de la discográfica Universal Records. Esta firma le ofreció un contrato por un millón de libras para promocionar y grabar sus discos durante los siguientes cinco años, ganándole así la batalla a Sony. Tras muchos años intentando abrirse un hueco en el mundo del jazz, Cullum se encontraba ahora a las puertas del éxito.

En octubre de 2003, pocos meses después de firmar el contrato, Cullum lanzó Twentysomething. De este álbum se vendieron 850.000 copias en sólo 4 meses, consiguiendo dos discos de platino y convirtiéndose en el disco de estudio número 1 editado por un artista de jazz en Inglaterra hasta entonces. Gracias a este trabajo, la nueva figura del jazz británico obtuvo el premio al "Mejor Artista Nuevo" en la BBC National Radio 3 Jazz Awards y fue nominado como "Artista Revelación" en los premios Brit Awards de ese año. Tras el gran éxito mundial, se estaba preparando su cuarto disco que fue lanzado en septiembre de 2005 en Inglaterra y luego en el resto del mundo, bajo el nombre de Catching Tales. En este último trabajo se pudo ver un cambio en el que se incorporan nuevos sonidos sin dejar su base de jazz. Su primer corte de difusión fue Get your way, con la colaboración de Dan The Automator.

Su segundo corte fue Mind Trick, canción que fue escrita por el propio Jamie junto con su hermano mayor, Ben Cullum. El último corte de difusión de este disco fue Photograph, también escrita por Cullum en la víspera de año nuevo de 2005, tras encontrar una caja con viejas fotos que le hicieron recordar lo especial que fue su juventud, a pesar de que en ese momento él no lo había visto así.

Jamie Cullum se ha convertido en uno de los principales referentes del jazz vocal actual, hasta el punto de ser considerado, por el público americano, como sucesor de Harry Connick Jr. Su gran habilidad para la música hizo que mediante el jazz, se adentrara en diversos estilos musicales, haciendo variaciones de canciones de artistas de la talla de White Stripes, Kanye West, Pussycat Dolls, Elton John, John Legend, Justin Timberlake, Coldplay y muchos más. Su prestigio le ha llevado incluso a adentrarse en el terreno del cine, donde ha sido autor del tema principal de la banda sonora de la película El diario de Bridget Jones, Everlasting love, así como también la canción Grace is Gone, que forma parte de la banda sonora de la película con el mismo título. El último tema para una película es Gran Torino por Clint Eastwood and Jamie Cullum para la película del mismo nombre y dirigida por Clint Eastwood, fue nominada como mejor canción original en los Golden Globe Awards. Ha sacado su último disco, The Pursuit, en noviembre.

Disfrútenlo con su reciente tema High and Dry, en vivo, en el Festival de Vitoria-Gasteiz, España.



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diciembre 16, 2009

El saxofonista afable del jazz


Se cumplen diez años de la muerte del genio del saxo, Grover Washington Jr, el inventor del “smooth jazz”.

Jorge Sierra

Un buen puñado de saxofonistas de jazz de hoy tienen deuda con él. “Lo impresionante es que no parecía que tocaba sino que cantaba. Y es que cuando procuras cantar desde el alma, así es como sale”, dijo el músico Kirk Whalum, al referirse a Grover Washington Jr., el saxofonista tenor de Buffalo, Nueva York, Estados Unidos, de quien mañana (17 de diciembre) se conmemoran 10 años de su muerte (ocurrida en 1999). Vivió tocando y murió igual. Un ataque al corazón en el vestidor de la CBS, después de grabar un segmento musical para el show matutino de televisión, hizo que de su saxofón quedara un eco sempiterno. Hoy tributado. Entonces tenía 56 años, pero dejó la impresión de que vivió más.

Soul con sax

Solía vestir elegante, mostrar siempre una sonrisa de oreja a oreja, apoyar a los músicos jóvenes y llevar una vida familiar llena de sosiego. Eso sin contar su afición por el básquetbol, al que le dedicó algunas composiciones (Let It Flow?). Pero la genialidad de su trabajo deslumbró en forma accidental. Fue un día de 1971 cuando el saxofonista Hank Crawford no asistió a la grabación de un material arreglado por el pianista Bob James. De inmediato se le habló a Washington Jr. para que tocara el saxo alto y tenor. Y así entra al estudio y concreta un inspiradísimo y memorable disco, dedicado a Marvin Gaye, Inner City Blues. Su estilo se escuchaba honesto, fresco, imaginativo y con un personal fraseo. Al cabo de los años, elementos con resonancia intergeneracional.

Para James, “cualquier cosa que tocara: saxofón soprano, alto, tenor o barítono, no tomaba tantas notas para reconocer su sonido. Su música siempre fue accesible, melódica y sensual. Su sonido era suave, a diferencia del toque de otros saxofonistas que era áspero. Grover no necesitaba acelerarse y llevar un chorro de notas. Era capaz de hacer esas figuras veloces, pero muchas de las veces, en sus solos, prefería tocar melódicamente, con frases que dotaba de arrebatos, zambullidas y masajeos, pero guardando su seña de identidad”.

La ópera también

No hay vuelta de hoja, Grover Washington Jr. se convirtió en el saxofonista más popular de todos los tiempos. Con ventas exorbitantes de sus discos. Marcó el paso en su campo. Sus raíces devenían del rhythm and blues y de los combos de soul y jazz, pero también aunque de forma infrecuente, del jazz tradicional. Así en 1975, lanza su primer gran éxito Mister Magic, y en junio de 1980, presenta Winelight, y ya se sabe, ese fue el ‘fiat lux’ de su capacidad artística y el inicio de más de una docena de discos con grandes tonadas, como Just The Two Of Us, East River Drive, Let It Flow?, The Best Is Yet To Come, In The Name Of Love, Bright Moments, Summer Song y otras más.

Como algo curioso, cuando Washington Jr. falleció, promovía su disco Aria, donde dejó de lado el jazz funk urbano, para adentrarse a un proyecto acariciado desde hacía mucho: tocar piezas clásicas de la ópera, pero a su modo y acompañado de la Orquesta de St. Lukes. Así, este saxofonista de formación clásica, egresado del Wurlitzer School Of Music, en Buffalo, cerró el círculo.

Un respiro común

Figuras del saxofón actual como Whalum, Boney James, Dave Koz, Walter Beasley Jr., Najee, Jay Beckenstein y aún incluso el príncipe de la música light, Kenny G. o la jovencita Jessy J., parecen respirar el mismo aire que Washington Jr. Un aire cálido, profundo y elegante. Pero también como apunta Kenny G., tenía esa “cosa” que cuando tocaba iba de un acorde a otro. Era melódico sí, pero al mismo tiempo muy técnico.

Así, esa mezcla de rhythm and blues, soul, blues con jazz fue elemental para desarrollar un jazz urbano y contemporáneo, lo que hoy da en llamarse smooth jazz. James añade: “En realidad, Washington Jr. fue un factor clave para que con el tiempo el saxofón llegara a convertirse en el sonido dominante del smooth jazz”. Un sonido que se evoca y evocará en los tantos conciertos tributos que se realizan en esta temporada en varias ciudades norteamericanas.

Disfruten su tema icónico, Just the two of us, uno de sus mayores éxitos, en vivo, intepretado en 1981, Junio 27, Filadelfia, EE.UU. Participaron junto a Washungton, Richard Tee (teclados), Ralph MacDonald (percusión), Paul Griffin (sintetizador), Eric Gale (guitarra), Anthony Jackson (bajo), y Steve Gadd  (batería).



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diciembre 07, 2009

Panama Jazz Festival, del 11 al 16 de enero


La leyenda viviente del jazz estadounidense Ellis Marsalis (en la foto) así como la vocalista Dee Dee Bridgewater (en la foto) y los saxofonistas Joe Lovano y Carlos Garnett están entre las atracciones del "Panama Jazz Festival 2010", anunció el organizador del evento, el pianista panameño Danilo Pérez.

La séptima edición, que se desarrollará del 11 al 16 de enero próximo, está dedicada al fallecido pianista panameño Sonny White y se espera la asistencia de más de 20.000 personas a las diversas presentaciones previstas.

Pérez dijo en una rueda de prensa que también están invitados el bajista John Patitucci y los bateristas Ferry Lyne Carrington y Jamey Haddad, así como el grupo Juanito y el Nuevo Flamenco.

Asimismo, confirmó la participación del Instituto Golandsky en las clínicas musicales, de la delegación jazz y clásica del New England Conservatory, y el Conservatorio de Puerto Rico, que por primera vez ofrecerá audiciones en música clásica.

El creador del "Panama Jazz Festival" en 2003 informó que el Berklee Collage Of Music de Boston (EE.UU.) inaugurará en Panamá el Global Jazz Institute, un programa diseñado para fomentar la creatividad y el compromiso social a través de una variedad de disciplinas.

Pérez, quien es el director del Global Jazz Institute, aseveró que tanto Patitucci como Lovano y Lyne Carrington forman parte del grupo de profesores de la academia. "El Global Jazz Institute es un logro muy significativo para Panamá, ya que se reconoce tanto la diversidad cultural del país y del continente como la trayectoria del Panama Jazz Festival", comentó el músico panameño.

Los artistas internacionales tomarán parte también de talleres que serán impartidos durante el festival a estudiantes nacionales y extranjeros, para enseñar jazz, improvisación y música en general. Los talleres tendrán lugar en las instalaciones de la Autoridad del Canal de Panamá (ACP) e incluyen lecciones de batería, bajo, piano, saxofón, violín, violoncelo, voz y canto.

Sonny White (1917-1971), nombre con el que era conocido Ellerton Oswald, es reconocido en la historia de este género musical como el pianista que acompañó a la cantante estadounidense de jazz Billie Holiday, en la canción Strange Fruit, pieza musical de 1939 que la lanzó a la fama mundial y que trataba sobre el racismo y la persecución de los negros en el sur de Estados Unidos.

Al festival de este año asistieron un total de 19.500 personas a los conciertos, que tuvieron como atracciones principales al saxofonista estadounidense Wayne Shorter y el pianista cubano Chucho Valdés. 

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diciembre 05, 2009

El flautista venezolano Pedro Eustache con Yanni y Sayaka Katsuki

Se puede decir que Pedro Eustache es el más internacional de los músicos venezolanos. Su trabajo ha podido ser conocido a través de un medio masivo como lo es el cine. Quienes vieron La Pasión de Cristo, Océano de fuego y Tierra de osos, escucharon el sonido de su flauta o de los numerosos instrumentos de viento que interpreta. Fuera de la gran pantalla, su trabajo forma parte importante de la propuesta musical de Yanni, de cuya banda es la flauta solista desde 1995, pero de manera individual, se ha convertido en una referencia, tanto que no deja de ser invitado para ofrecer conciertos en países como China, India, Suecia, Inglaterra, Alemania y Austria.

Aparte de pertenecer a la orquesta de Yanni, Pedro Eustache ha participado en muchos trabajos musicales como flautista para orquestas como las filarmónicas de París, Londres, Berlín, California, Caracas, y para artistas como James Newton Howard, André Crouch, Alex Acuña, Dori Caymmi y Shakira, entre otros.

Su impresionante conocimiento musical y técnico le ha permitido ejecutar instrumentos de viento de los seis continentes y su versatilidad le permite interpretar rigurosas piezas clásicas o improvisar con el jazz fácilmente.

Pedro Eustache ha recibido innumerables premios nacionales e internacionales y el reconocimiento de importantes figuras de la música como el que en 1997 le diera Suparn Verna: “El flautista Pedro Eustache deslumbra con su virtuosidad, él toca la flauta china, el duduk armenio y la flauta india con igual facilidad, es una de las razones detrás del éxito de Yanni”.

Pedro es caraqueño, de padres haitianos, criado en La California Norte, formado en las aulas del Liceo Gustavo Herrera, y fanático del club de béisbol venezolano, Tiburones de La Guaira. Un buen día agarró sus maletas, y en compañía de su esposa, Sara Boruszko, se fue a Estados Unidos, gracias a que obtuvo una beca en el Instituto de Artes de California. De niño empezó con la flauta, pero luego vino el saxofón, siguió con la flauta India, la etrusca, hasta se atrevió a diseñar un nuevo modelo de flauta. Se dejó influenciar por los sonidos de Africa del Norte, de Ghana, Indonesia, de Bali, India; de la música electrónica.

Y aquí lo tenemos en 'Viaje al Fondo del Jazz' con un solo junto a la violinista Sayaka Katsuki, en la orquesta del griego Yanni.



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diciembre 02, 2009

Gato Barbieri llega a sus 75 años de edad


A pesar de que esta noticia está en la sección InfoJazz, quisimos colocarla en nuestra página principal, por la importancia que reviste. El saxofonista y compositor argentino Leandro 'Gato' Barbieri celebró el pasado 28 de noviembre sus 75 años de edad. El famoso músico, nacido en Rosario, Argentina, se hizo célebre por su forma tan particular de tocar el saxo, cuyo sonido áspero, rasgado y de mucha fuerza y sensualidad, se convirtió en su sello personal.

Fue uno de los impulsores de la corriente del Free Jazz y del Latin Jazz. Ha compartido trabajos con músicos de la talla de Chico O'Farrill, Carlos Santana, Charlie Haden, entre otros, y se hizo famoso al componer la música de la película icónica de Bernardo Bertolucci, El Último Tango en París. Barbieri forma parte de una célebre camada de músicos argentinos que ha tomado parte exitosa en los escenarios musicales del jazz, como Astor Piazzola, Pedro Aznar, Jorge Dalto y Lalo Schifrin, todos de excepcionales cualidades interpretativas, que pasan a la historia como íconos indiscutibles de la música.

Disfruten de su tema El Último Tango en París.



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Karrin Allison: O Barquinho (Little Boat) / Live at Montreaux 2003

 Karrin Allyson es una cantante de estilo exquisito y depurado, delicada y discreta, con grandes habilidades vocales y un talento excepcional. Nacida en Kansas, EEUU, se mudó rápidamente a la bahía de San Francisco, donde se familiarizó con el jazz de la costa oeste norteamericana, y con la música brasileña, de la cual es una excelente intérprete.

Su disco de 1999, From Paris to Rio, contiene canciones en francés y portugués, y cubre un amplio abanico estilístico desde Jacques Brel a la samba y bossa nova. En 2001 obtuvo el que probablemente ha sido el mayor éxito de su carrera al publicar, obteniendo dos nominaciones a los Grammy, Ballads: Remembering John Coltrane. En 2006 con Footprints, obtendría también una nominación a los Grammy por el Best Jazz Vocal Album.

Escúchenla con el clásico brasileño O Barquinho, de Roberto Menescal  y Ronaldo Boscoli.




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Es Dios

"Esa lengua de fuego se abría despiadada, como urdiendo en el alma y buscando donde cabalgar. Resoplaba fuerte, escrutaba el ojo, mordía la mente y ondeaba su calor, como haciéndonos sentir que somos una miniatura, una milmilésima parte del universo. Esa lengua de fuego, creación al fin, es lo mismo que la hoja, que la piedra, que el agua, que el ave, que la hierba. Es Dios".

La compuerta de la vida

"A veces, casi inerme, entrebusco la fórmula de la vida, y encuentro una melodía que me exige respirar, profundo, restituyéndome la fe en el futuro. Sólo Dios abre la compuerta de la vida, y la música es el compás de espera a la perfección, el estadío más emocionante del ser humano".

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