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noviembre 25, 2018

Paul Desmond: el infravalorado creador de Take Five



Un 24 de noviembre de 1928 nacía en San Francisco, Paul Desmond, cuyo nombre original era Paul Emil Breitenfeld, saxofonista y figura representativa de la corriente principal del jazz y del cool en la Costa Oeste de los EEUU, especializado en baladas y en la improvisación melódica. Fue el autor del famoso tema Take Five.

Desmond había conocido por primera vez a Dave Brubeck en 1944 mientras todavía estaba en el ejército. Brubeck estaba probando para la banda del Ejército a la que Desmond pertenecía. Le dijo una vez a Marian McPartland en el programa Piano Jazz de la National Public Radio que se sorprendió por los cambios de acordes que Brubeck introdujo durante esa audición de 1944. Después de convencer a Brubeck de contratarlo después de su periodo con Jack Fina, los dos tenían un contrato redactado (del cual Brubeck era el único firmante). 

El contrato prohibía que Brubeck lo despidiera nunca, aseguraba el estatus de Brubeck como líder del grupo y daba a Desmond el veinte por ciento de todas las ganancias generadas por el cuarteto. Así fue como empezó el Cuarteto de Dave Brubeck, un grupo que comenzó en 1951 y terminó en diciembre de 1967.

En el grupo, Paul Desmond era el músico de más talento de todos y contribuyó a su éxito con su característico estilo melódico, de gran pureza y lleno de vigor y dulzura al mismo tiempo. Su aportación a los grandes discos de Dave Brubeck fue esencial, especialmente el tema Take Five grabado en el año 1962 en el álbum Time Out y a partir de entonces, Desmond fue reconocido como el alma máter del grupo.

Esta pieza fue grabada en los estudios de Columbia en la Calle 30 de la ciudad de Nueva York el 25 de junio y el 18 de agosto de 1959 y se convirtió en uno de los discos más conocidos del grupo, debido a su distintivo y contagioso saxofón y el empleo de un compás inusual de 5/4 (metro quíntuple) —de allí deriva el nombre de la canción—. Si bien Take Five no fue la primera composición de jazz en utilizar este compás, sí fue una de las primeras piezas en lograr una amplia aceptación comercial en los Estados Unidos al llegar a la posición número cinco en el listado Adult Contemporary Singles de la revista Billboard.

En 1976 Desmond tocó 25 espectáculos en 25 noches con Brubeck, recorriendo Estados Unidos en autobús.

En junio de 1969 Desmond apareció en el New Orleans Jazz Festival con Gerry Mulligan, obteniendo reacciones favorables de los críticos y de la audiencia. Durante las giras de dos generaciones de Brubeck, Desmond y Mulligan compartieron el escenario juntos en 1974. A diferencia de Brubeck, el gran Gerry Mulligan compartió personalmente muchas cosas en común con Desmond. Los dos compartían intereses y humor similares, y ambos tenían diversas adicciones en sus vidas.

Después de un tiempo inactivo, Desmond fue invitado a tocar en el Half Note en Nueva York en 1971 por el guitarrista Jim Hall. Con su especial humor, Desmond dijo que tomó el trabajo sólo porque estaba cerca. También se unió al Modern Jazz Quartet para un concierto en la Navidad en 1971 en el New York Town Hall.

Desmond murió el 30 de mayo de 1977, no por su hábito alcohólico, sino por un cáncer de pulmón, resultado de su largo hábito de fumar. Con su humor, después de que le diagnosticaran el cáncer, expresó su placer por la salud de su hígado. Su último concierto fue con Brubeck en febrero de 1977, en Nueva York. Sus fanáticos no sabían que ya estaba muriendo. Desmond especificó en su testamento que todos los ingresos de "Take Five" irían a la Cruz Roja después de su muerte.


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octubre 21, 2018

Se unen el swing y la salsa



La Orquesta Jazz at Lincoln Center (JALC), dirigida por Wynton Marsalis, está formada por 15 de los mejores solistas, actores de ensamble y arreglistas en la música jazz actual. A fines de 2014, la orquesta dio la bienvenida a un invitado muy especial: el cantante, compositor y actor panameño, ganador del Grammy, Rubén Blades. Para una música nocturna muy especial, dirigida por el bajista de JALC y el “maestro emergente en el idioma del jazz latino” Carlos Henríquez, los mundos de la salsa y el swing colisionaron. Respaldado por una de las grandes bandas líderes del mundo, Blades llevó al público en una gira por sus grandes éxitos. En su reseña del programa, el New York Times dijo que “los arreglos de Henríquez se entregaron consistentemente … radicalmente bellos”.

Ahora, "Una Noche con Rubén Blades" captura este histórico concierto en CD y formatos digitales. El álbum encuentra al Maestro cantando algunas de sus propias composiciones queridas, incluyendo Pedro Navaja, Patria y El Cantante, además de pasar por estándares como Demasiado cerca para la comodidad y Begin the beguine, todos con el respaldo de la Big Band of the Year de la encuesta de Downbeat (2013, ’14 y ’15). El álbum fue lanzado recientemente, el 19 de octubre de 2018.

Esta colaboración caleidoscópica y trascendental entre dos de nuestros músicos más conmovedores se estrenó con gran éxito. El material es altamente recomendado para todos aquellos que gustan de los experimentos musicales.

Disfruten del tema Pedro Navaja, una canción que Rubén Blades creó inspirado en Mack The Knife, que el compositor alemán Kurt Weill, incluyó como tema principal de la obra "Ópera de los Tres Centavos" (Three Penny Opera) del dramaturgo Bertolt Brecht.


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octubre 08, 2018

El carisma de Brian Culbertson



Brian Culbertson es un galardonado multi-instrumentista, compositor y productor conocido por su marca distintiva de jazz contemporáneo, R&B y funk. Extrayendo los sonidos urbanos de Chicago, rico en música, comenzó sus estudios musicales en piano a los ocho años y rápidamente tomó varios otros instrumentos cuando tenía doce años, entre ellos la batería, el trombón, el bajo y el euphonium. 

Inspirado por los icónicos artistas del R&B-jazz-pop de la década de 1970 como Earth, Wind & Fire, Tower of Power, Chicago, David Sanborn y otros, Culbertson comenzó a componer música original para su recital de piano de séptimo grado y no se ha detenido desde entonces: 30 sencillos de Billboard No. 1 (¡y contando!) y un catálogo profundo de 18 álbumes, la mayoría de los cuales han superado las listas de éxitos del jazz contemporáneo de Billboard.

Escuchémoslo con Do you really love me, con la siguiente alineación de músicos:

Brian Culbertson - piano, sintetizador
Steve Cole - saxofón
Paul Jackson Jr. - guitarra
Ricky Peterson - Hammond B3
Alex Al - bajo
Michael White - batería
Lenny Castro - percusión



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octubre 07, 2018

Jorge Pardo: la chispa del jazz flamenco



Jorge Pardo es una de las realidades más sólidas de la fusión flamenca con el jazz y una de las figuras del jazz español con mayor proyección internacional. Ha conseguido un nuevo lenguaje mestizo entre el jazz de raíz y el flamenco. Su estilo con la flauta transversa y el saxo se ha convertido en modelo referencial.

Pardo nació en Madrid en 1955 y después de empezar a tocar con algunos músicos profesionales (como Jean Luc Vallet, Peer Wyboris, Tete Montoliu, Lou Bennett, Slide Hampton, Pony Poindexter, David Thomas, Pedro Iturralde o Al Lewitt, entre otros), junto a Pedro Ruy Blas forma Dolores, grupo referencia en el panorama español.

Unos pocos años más tarde fue introducido en el mundo profesional del flamenco de la mano de Paco de Lucía, acompañándolo en varias de sus giras mundiales, compartiendo escenarios con las más importantes figuras del jazz internacionales y colaborando en los discos del guitarrista. Tras estas experiencias la, hasta entonces sólo prometedora, carrera del músico se convierte en un progresivo asentamiento de la solidez y maestría musicales que ha demostrado a largo de toda su carrera como músico profesional.

En 1982 se perfila como uno de los músicos de más talento en el campo del jazz-fusión y graba su primer Lp Jorge Pardo como solista en Mallorca con músicos invitados de la talla de Joan Bibiloni y Carles Benavent. En 1984 graba su segundo LP El canto de los guerreros y en 1987 A mi aire, dos obras con matices hacia la experimentación. En 1989 trabaja con el grupo Flamenco Fusión. Ese mismo año actúa junto a los brasileños Nana Caymmi y Wagner Tiso en el Festival de Montreux (Suiza), concierto que fue grabado y editado por Polygram Internacional. En Julio del 90 es invitado, junto a Carles Benavent, para actuar con el pianista Gil Goldstein, el percusionista Don Alias y el batería Alex Acuña, entre otros, en un concierto especial de la TV Suiza, que daría lugar a unas apariciones especiales de esta misma banda en Nueva York en Octubre de ese mismo año. 


En 1991, con esta formación, graba en Nueva York para el sello Blue Note. En Junio del 92 se presenta en el Town Hall de Nueva York junto a Carles Benavent y otros músicos flamencos invitados, dentro del programa del New Music Seminar. En Julio del mismo año, actúa con la Big Band de la TV Alemana en el proyecto Jazzpaña (Flamenco-Jazz), encabezando un grupo español que se presenta en el Philarmonic Concert Hall de Colonia y en el Festival de Montreux. Este proyecto será plasmado en el CD Jazzpaña, on la WDR Big Band dirigida por Vince Mendoza, y junto a músicos de la talla de Michael Brecker, Al Di Meola, Peter Erskine o Steve Khan.


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septiembre 30, 2018

Legends in Montreux 1997: una página brillante



Legends: Live at Montreux 1997 es un histórico álbum grabado en vivo y un DVD de la serie de conciertos de Legends: Live at Montreux en el Festival de Jazz de Montreux. El DVD fue lanzado el 3 de septiembre de 2005. Los formatos de CD y Blu-Ray se lanzaron el 30 de septiembre de 2008. 

Se presentó una mezcla de piezas instrumentales y vocales. También se pre-sentaron algunas piezas de blues, así como una nueva versión acústica de la exitosa Layla. Además, se utilizó por primera vez la Eric Clapton Gold Leaf Stratocaster . 

Participaron músicos hoy considerados le-yendas de la música, sobre todo del jazz y del blues, como el pianista Joe Sample, el saxofonista David Sanborn, el contrabajista Marcus Miller, el baterista Steve Gadd y el guitarrista Eric Clapton.
Rememoremos.


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El gypsy jazz de Stochelo Rosenberg



Stochelo Rosenberg es uno de los referentes internacionales del jazz manouche de las últimas décadas. Nacido en Helmond, Holanda, comenzó a tocar la guitarra a los 10 años. Desde sus inicios, Rosenberg se declaró admirador y seguidor del legendario Django Reinhardt, creador de esta variante europea del jazz más vibrante y más rápida. De hecho, el músico holandés toca el mismo modelo de guitarra, una Selmer acústica, que Reinhardt.

Rosenberg es unánimemente reconocido por público y crítica como uno de los mejores guitarristas del mundo tanto por su extraordinaria técnica y su fértil imaginación como por su talento compositivo y su marcada y original personalidad a la guitarra, entre cuyos muchos atractivos destaca su peculiar vibrato e impecable ejecución de los pasajes mas complejos.Su gran talento le ha convertido en inspiración y máxima referencia de generaciones enteras de guitarristas de los más diversos estilos,que reconocen en él a uno de los mejores interpretes vivos de este instrumento.

Los mejores escenarios del mundo se han rendido al talento de estos fabulosos músicos: desde el Carnegie Hall de Nueva York a los festivales de Jazz de Montreux, Marciac o Los Angeles o como invitado especial actuando para la Unión Europea con motivo de la presidencia de turno correspondiente a Holanda en 2016, The Rosenberg Trio ha fascinado a las audiencias más exigentes con un arte y un virtuosismo poco común que ha hecho de esta formación un icono para todos los amantes del jazz, de la guitarra y más aun, de la música de extraordinaria belleza que estos grandes músicos son capaces de producir.

Escuchen a Stochelo Rosenberg acompañado del bandoneonista Richard Galiano con el tema Minor Swing.


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Gigi MacKenzie: una voz radiante



Gigi MacKenzie es una artista de jazz, hija de la cantante Gisele MacKenzie. Residente en West Toluca Lake, California, MacKenzie (58 años) trabajó durante 10 años como cantante de estudio en Los Ángeles.

Ha grabado comerciales nacionales y bandas sonoras de películas importantes, incluida la exitosa película Mr. Holland's Opus y el tema musical de Nash Bridges. Ha actuado también con artistas ganadores de premios Grammy como Michael McDonald, Kenny Loggins, Gladys Knight y Tom Scott, y muchos otros.

Escúchenla con The Shadow of your Smile, incluido en su álbum Skylark.


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septiembre 11, 2018

MM&W: un sonido de vanguardia



Medeski, Martin and Wood (1992) es un trío estadounidense de jazz que está compuesto por el tecladista-pianista John Medeski, el percusionista-baterista Billy Martin y el bajista Chris Wood. 

Pertenecen al jazz de vanguardia, su estilo es el de la fusión del jazz con el funky soul. Su trabajo oscila entre la improvisación experimental y una música más accesible para el gran público, con la que ha llegado a cosechar cierta popularidad.

La música que hacen es una mezcolanza muy sólida de estilos e influencias, y se va depurando en las cada vez más extensas giras en las que se embarcan. Sus temas tienen esa conexión con el groove más ácido que la generación del hip hop está redescubriendo. Sus versiones de temas muy variados son desde este primer disco y sus primeros conciertos, apoteósicas.

Es un grupo procedente del cambio generacional que se produce en el jazz de los años noventa. En su música hay cabida para el Groove, el Funk, el Soul, el Rock y por supuesto el jazz y quizás ese mestizaje es lo que les alejan del sector más purista del jazz tradicional, pero al mismo tiempo gozan del favor y de la popularidad de los jóvenes que se acercan al jazz por primera vez. 


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Es Dios

"Esa lengua de fuego se abría despiadada, como urdiendo en el alma y buscando donde cabalgar. Resoplaba fuerte, escrutaba el ojo, mordía la mente y ondeaba su calor, como haciéndonos sentir que somos una miniatura, una milmilésima parte del universo. Esa lengua de fuego, creación al fin, es lo mismo que la hoja, que la piedra, que el agua, que el ave, que la hierba. Es Dios".

La compuerta de la vida

"A veces, casi inerme, entrebusco la fórmula de la vida, y encuentro una melodía que me exige respirar, profundo, restituyéndome la fe en el futuro. Sólo Dios abre la compuerta de la vida, y la música es el compás de espera a la perfección, el estadío más emocionante del ser humano".

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