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febrero 10, 2019

Tres genios del jazz


Larry Grenadier, Brad Mehldau y Jeff Ballard

Brad Mehldau formó su primer trío a largo plazo en 1994, con el bajista Larry Grenadier y el baterista Jorge Rossy. En el año siguiente, Mehldau grabó el álbum Brad Mehldau para Warner Bros, su primer álbum como único líder. Fue bien recibido, con The Penguin Guide to Jazz comentando que "es como si estuviera al tanto de la tradición del jazz pero completamente libre de ella". Su segundo álbum para Warner Bros., The Art of the Trio Volume 1, fue grabado en 1995 y fue ampliamente elogiado por los críticos. 

El título fue seleccionado por el productor Matt Pierson como algo que atraería la atención y ayudaría a construir una marca. A mediados de los años noventa, Mehldau fue considerado por algunos como uno de los principales músicos de jazz.

A principios de la década de 1990, Larry Grenadier se conoció y tocó con el pianista Brad Mehldau. Se unió al trío de Mehldau con el baterista Jorge Rossy. Juntos recorrieron y grabaron durante más de diez años. Rossy fue reemplazado por el baterista Jeff Ballard en 2004.

Grenadier ha trabajado con el guitarrista Pat Metheny, con quien realizó una gira como trío junto con el baterista Bill Stewart.

Jeff Ballard, por su parte, es un baterista de jazz estadounidense, nacido en Santa Cruz, California, tras tres años de gira con Ray Charles, ha tocado con algunos de los mejores músicos de jazz, como Chick Corea, Pat Metheny, Reid Anderson, Brad Mehldau, Kurt Rosenwinkel, Mark Turner, Miguel Zenon y Eli Degibri. Es miembro del colectivo Fly, junto al saxofonista Mark Turner, y el bajista Larry Grenadier. Además, ha tocado junto al saxofonista Joshua Redman.


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enero 02, 2019

La sorprendente batucada de Marcos Valle y Stacey Kent



Marcos Valle es una institución de la música brasileña. Nacido en Río de Janeiro en 1943, con tan solo 20 años lanzaba su primera trabajo, Samba demais. En 2014 se cumplieron 50 años de aquel debut y Marcos Valle lo celebró con un concierto que quedó registrado en formato disco. Marcos Valle ha querido contar para la ocasión con una de las vocalistas del panorama actual que mejor se adaptan a su música: Stacey Kent.

Marcos Valle & Stacey Kent Ao Vivo

Desde hace unos cuantos años, es habitual encontrar en el repertorio de Stacey Kent grandes temas de la Bossa y del cancionero brasileño. En 2011 fue la única artista no brasileña que fue invitada a la celebración del 80 aniversario de la estatua del Cristo Redentor que se alza sobre Río.

Su actuación aquella noche junto a Marcos Valle propició una gira posterior conjunta y la grabación de este álbum. Stacey Kent pone voz a algunas de las piezas maestras de la discografía de Marcos Valle, como son Summer Samba, Batucada y Os Grilos. Escuchado el resultado, se puede comprobar que fue todo un acierto la elección de Stacey Kent para este disco de Marcos Valle.

Intérpretes:
Jim Tomlinson (saxo tenor)
Jessé Sadoc (trompeta, trompeta)
Marcelo Martins (saxo tenor, flauta)
Aldivas Ayres (trombón)
Luiz Brasil (guitarra)
Alberto Continentino (contrabajo)
Renato "Massa" Calmon (batería)
Marcos Valle (piano) , vocales)
Stacey Kent (vocales)
Compositores
Marcos Valle
Paulo Sérgio Valle
Ray Gilbert
Jessé Sadoc

Fecha de grabación:
2014 (en vivo)

El carioca Marcos Valle (Río de Janeiro, 14 de septiembre de 1943) es uno de los cantantes, productores y compositores de géneros musicales brasileños  como la bossa nova y el Samba, más representativos del Brasil. Se trata de uno de los intérpretes más importantes y populares de la historia del pop brasileño.

Valle estudió de niño música clásica aunque su atención se dirigió hacia diversos géneros musicales, especialmente hacia el jazz. Empezó a escribir canciones con su hermano Paulo Sérgio a comienzos de los años sesenta. Su primer gran éxito fue Sonho de Maria: Valle fue aclamado como el mejor compositor brasileño del año a los 19 años.

Por su parte, Stacey Kent es una cantante de jazz estadounidense que a menudo canta en francés . Está casada con el saxofonista Jim Tomlinson, quien participa en este álbum con Valle.

En 2017, Kent grabó el álbum para Sony, I Know I Dream: The Orchestral Sessions, su primero con orquesta, que incluye 58 músicos, arreglos de Tommy Laurence, que incluyen música de The Great American Songbook, French Chansons, canciones de Edu Lobo y Antonio Carlos Jobim de Brasil, y otras canciones originales de Jim Tomlinson con Ishiguro, Ladeira y su más reciente compañero de composición, Cliff Goldmacher, de Nashville.


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diciembre 31, 2018

Tres joyas de la guitarra: Isbin, Jordan y Lubambo



Tres magníficos guitarristas interpretan una velada de música latina, jazz y brasileña. La tres veces ganadora del Premio Grammy y virtuosa clásica Sharon Isbin, nombrada por la revista Boston como "el guitarrista más destacado de nuestro tiempo", se une al innovador músico estadounidense Stanley Jordan y al maestro brasileño de jazz Romero Lubambo. El concierto, inspirado en el popular álbum de 2011 Sharon Isbin & Friends: Guitar Passions, presenta una mezcla de guitarras acústicas y eléctricas.

Isbin, directora de estudios de guitarra en The Juilliard School, ha grabado más de veinticinco álbumes de música que van desde el barroco y el español / latín hasta el crossover y el jazz-fusion. Un escritor del Atlanta Journal-Constitution llama al nativo de Minneapolis "la Monet de la guitarra clásica... un maestro colorista".

Jordan, que lleva a los oyentes en viajes sin aliento hacia lo inesperado, ha tenido éxito crítico y comercial durante casi tres décadas. El graduado de la Universidad de Princeton, a menudo descrito como un camaleón musical, realiza reinvenciones audaces de obras maestras clásicas, exploraciones conmovedoras de éxitos de pop-rock, jazz en llamas y improvisaciones ultramodernas.

Lubambo, quien abandonó Río de Janeiro para ir a Estados Unidos en 1985, utiliza los estilos y los ritmos de su Brasil natal, además de una fluidez en las tradiciones del jazz estadounidense, para forjar un estilo distintivo. El concierto de Guitar Passions presenta obras de compositores como Joaquín Rodrigo, Antonio Carlos Jobim, Isaac Albéniz, Gentil Montaña o Quique Sinesi.

El collage musical que van a escuchar inicia con el vals Natalia del reconocido maestro venezolano Antonio Lauro.


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diciembre 16, 2018

Un dúo genial: Brad Mehldau y Joshua Redman



Brad Mehldau se graduó en la New School en 1993. Formó su primer trío a largo plazo en 1994, con el bajista Larry Grenadier y el baterista Jorge Rossy. En el año siguiente, Mehldau grabó el álbum Brad Mehldau para Warner Bros., su primer álbum como único líder. Fue bien recibido, con The Penguin Guide to Jazz comentando que "es como si estuviera al tanto de la tradición del jazz pero completamente libre de ella". Su segundo álbum para Warner Bros., The Art of the Trio Volume 1, fue grabado en 1995 y fue ampliamente elogiado por los críticos.

A mediados de los años noventa, Mehldau fue considerado por algunos como uno de los principales músicos de jazz: el crítico John Fordham lo describió como "la próxima gran estrella del teclado de jazz".

Mehldau se estableció en la escena de los festivales de jazz internacionales a mediados de los años 90, habiendo tocado en eventos tales como el Montreal International Jazz Festival y el Montreux Jazz Festival en 1997, y el North Sea Jazz Festival en 1998 . También en 1998, el pianista se reunió con Redman para el álbum Timeless Tales del saxofonista, y tocó con el cantante country Willie Nelson.

En 2013 Mehldau comenzó a girar con el batería Mark Guiliana como un dúo al que fue dado el nombre de "Mehliana". Su interpretación era en gran medida improvisada y distantemente influenciada por el dub, el drum 'n' bass, el electro y el funk. Lanzaron un álbum, Mehliana: Taming the Dragon, en febrero de 2014. A finales de 2015 fue lanzada una colección de grabaciones de piano solo de los conciertos de Mehldau en Europa en el período 2004-14, titulada 10 Years Solo Live

Otra grabación del trío Blues and Ballads, fue registrada en 2012 y 2014 y fue lanzada en 2016. También en 2016, Mehldau y Guiliana formaron un trío con el guitarrista John Scofield y tocaron en los Estados Unidos antes de girar por Europa.

Por su parte, Joshua Redman es uno de los artistas de jazz más aclamados y carismáticos que surgieron en la década de los noventa. Nacido en Berkeley, California, es el hijo del legendario saxofonista Dewey Redman y la bailarina Renee Shedroff. Fue expuesto a una edad temprana a una variedad de músicas (jazz, clásica, rock, soul, india, indonesia, Oriente Medio, africano) e instrumentos (grabadora, piano, guitarra, gatham, gamelan) y comenzó a tocar el clarinete en nueve años antes de cambiar a lo que se convirtió en su instrumento principal, el saxofón tenor, un año después.

Las influencias tempranas de John Coltrane, Ornette Coleman, Cannonball Adderley y su padre, Dewey Redman, así como The Beatles, Aretha Franklin, The Temptations, Earth, Wind and Fire, Prince, The Police y Led Zeppelin atrajeron a Joshua más profundamente en la música.

En 2000, Redman fue nombrado Director Artístico para la Temporada de Primavera de la organización sin fines de lucro de presentación de jazz SFJAZZ. El director ejecutivo de Redman y SFJAZZ, Randall Kline, tuvo una idea que The New York Times calificó de "momento de eureka"; la creación del Colectivo SFJAZZ, un conjunto que se distingue tanto por la creatividad de sus miembros como por un énfasis primario único en la composición. Inaugurada en 2004, la banda de ocho integrantes consiste en un reparto multigeneracional de músicos expertos.

El mes siguiente, Nonesuch lanzó el primer disco de trío sin piano de Redman, Back East, con Joshua junto a tres secciones estelares de bajo y ritmo de batería (Larry Grenadier y Ali Jackson, Christian McBride y Brian Blade, Reuben Rogers y Eric Harland) y tres saxofonistas invitados especiales (Chris Cheek, Joe Lovano y Dewey Redman). En Compass, lanzado en enero de 2009 (Nonesuch), Joshua explora el formato de trío expansivo, y con un grupo de colaboradores tan intrépido como él: los bajistas Larry Grenadier y Rueben Rogers, y los bateristas Brian Blade y Gregory Hutchinson.

A partir de finales de 2009, Joshua se presenta con una nueva banda de colaboración llamada James Farm con el pianista Aaron Parks, el bajista Matt Penman y el baterista Eric Harland. La banda infunde a la instrumentación del cuarteto de jazz acústico tradicional una actitud progresiva y un sonido moderno, creando música que es rítmica y técnicamente compleja y al mismo tiempo rica en armonía y emocionalmente convincente.


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Drume Negrita en tiempo de jazz



Esta versión en tiempo de jazz del tema del folklore cubano Drume Negrita, a cargo del contrabajista Javier Colina y la cantante española Cecilia Krull, es sencillamente sensacional. 

Javier Colina está considerado uno de los mejores contrabajista del escenario europeo actual. Sus caminos musicales le han llevado a tocar junto a músicos consagrados en el mundo del jazz como, Tete Montoliu, Al Foster, Chucho Valdés, Jerry González.

Fuera del panorama jazzístico, Colina, nacido en Pamplona, España, ha colaborado con músicos de flamenco como Tomatito, Pepe Habichuela, Diego El Cigala o Enrique Morente, y ha experimentado con el sonido cubano, tocando el contrabajo entre otros con Pancho Amat, Compay segundo o Bebo Valdés y El Cigala en su trabajo Lágrimas Negras.

Con Bebo Valdés protagoniza una semana de actuaciones en Nueva York y graban en directo el disco Bebo Valdés y Javier Colina live at the Village Vanguard.

Además ha realizado colaboraciones puntuales con Hank Jones, Pat Metheny, Brad Meldhau, Michel Camilo, Toumani Diabaté y Abdulah El Gourd, entre otros. Ha compartido proyectos con Marc Miralta y Perico Sambeat, con Antonio Serrano, Argelia Fragoso, Agustín Carbonell “El Bola” y Santiago Auserón entre otros.

En 2007 lanza al mercado su primer disco en solitario, en formación de septeto y con el título Si te contara. En 2011 graba con Silvia Pérez Cruz su proyecto más luminoso, En la imaginación, temas del filin cubano, jazzeados por el trío y renovados con la voz de la maravillosa cantante catalana.

También en 2011 aparece en el documental Jazz en España de la productora "14 pies" para la cadena de televisión History Channel.

Otro de sus trabajos es con su propio cuarteto de jazz, grupo con el que graba un disco publicado por la fundación BBK. Y el proyecto más reciente es compartido también con el gran guitarrista flamenco Josemi Carmona. Este trabajo, De Cerca ha sido grabado y editado por el sello Universal y ya ha sido presentado ya en distintos festivales (Madrid, Washington, Nueva york, Barcelona, Chicago…etc).

Por su parte, Cecilia Krull, una cantante española de 31 años, es una de las voces que aprovechó el fenómeno de la televisión para darse a conocer más como artista, colocando su voz en distintas series de TV y filmes españoles.

Krull es una cantante de jazz de nacionalidad francesa nacida en Madrid, que comenzó a cantar muy joven, al lado de su padre el sensacional pianista y compositor de origen francés Richard Krull, con el que inicio su aprendizaje. Comienza sus estudios de manera autodidacta, su formación corre a cargo de sus diversas experiencias en el variado ámbito de la música, así como diversas clases particulares, de las que hay que destacar los 2 años que estudia con Doña Inés Rivadeneira López, Catedrática de la Escuela Superior de Canto.


Su experiencia profesional comienza muy temprano (1993) con tan solo 7 años de edad, participando en diversas producciones de Walt Disney, e irá completándose hasta la actualidad en múltiples producciones teatrales, musicales, televisivas y cinematográficas. Aunque siempre ha colaborado con su padre y otros músicos en proyectos vinculados al jazz, en los últimos 5 años se ha centrado en su carrera como solista acompañada de diferentes formaciones en diversos Festivales de Jazz y salas de reconocido prestigio. Compuso e interpretó la canción Something’s Triggered de la película “3 Metros Sobre el Cielo” y recientemente la canción de cabecera de la serie “Vis a Vis”. Cecilia canta en varios idiomas, con una voz aterciopelada, un registro suave y un gran dominio de la técnica y la fonética.


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noviembre 25, 2018

Paul Desmond: el infravalorado creador de Take Five



Un 24 de noviembre de 1928 nacía en San Francisco, Paul Desmond, cuyo nombre original era Paul Emil Breitenfeld, saxofonista y figura representativa de la corriente principal del jazz y del cool en la Costa Oeste de los EEUU, especializado en baladas y en la improvisación melódica. Fue el autor del famoso tema Take Five.

Desmond había conocido por primera vez a Dave Brubeck en 1944 mientras todavía estaba en el ejército. Brubeck estaba probando para la banda del Ejército a la que Desmond pertenecía. Le dijo una vez a Marian McPartland en el programa Piano Jazz de la National Public Radio que se sorprendió por los cambios de acordes que Brubeck introdujo durante esa audición de 1944. Después de convencer a Brubeck de contratarlo después de su periodo con Jack Fina, los dos tenían un contrato redactado (del cual Brubeck era el único firmante). 

El contrato prohibía que Brubeck lo despidiera nunca, aseguraba el estatus de Brubeck como líder del grupo y daba a Desmond el veinte por ciento de todas las ganancias generadas por el cuarteto. Así fue como empezó el Cuarteto de Dave Brubeck, un grupo que comenzó en 1951 y terminó en diciembre de 1967.

En el grupo, Paul Desmond era el músico de más talento de todos y contribuyó a su éxito con su característico estilo melódico, de gran pureza y lleno de vigor y dulzura al mismo tiempo. Su aportación a los grandes discos de Dave Brubeck fue esencial, especialmente el tema Take Five grabado en el año 1962 en el álbum Time Out y a partir de entonces, Desmond fue reconocido como el alma máter del grupo.

Esta pieza fue grabada en los estudios de Columbia en la Calle 30 de la ciudad de Nueva York el 25 de junio y el 18 de agosto de 1959 y se convirtió en uno de los discos más conocidos del grupo, debido a su distintivo y contagioso saxofón y el empleo de un compás inusual de 5/4 (metro quíntuple) —de allí deriva el nombre de la canción—. Si bien Take Five no fue la primera composición de jazz en utilizar este compás, sí fue una de las primeras piezas en lograr una amplia aceptación comercial en los Estados Unidos al llegar a la posición número cinco en el listado Adult Contemporary Singles de la revista Billboard.

En 1976 Desmond tocó 25 espectáculos en 25 noches con Brubeck, recorriendo Estados Unidos en autobús.

En junio de 1969 Desmond apareció en el New Orleans Jazz Festival con Gerry Mulligan, obteniendo reacciones favorables de los críticos y de la audiencia. Durante las giras de dos generaciones de Brubeck, Desmond y Mulligan compartieron el escenario juntos en 1974. A diferencia de Brubeck, el gran Gerry Mulligan compartió personalmente muchas cosas en común con Desmond. Los dos compartían intereses y humor similares, y ambos tenían diversas adicciones en sus vidas.

Después de un tiempo inactivo, Desmond fue invitado a tocar en el Half Note en Nueva York en 1971 por el guitarrista Jim Hall. Con su especial humor, Desmond dijo que tomó el trabajo sólo porque estaba cerca. También se unió al Modern Jazz Quartet para un concierto en la Navidad en 1971 en el New York Town Hall.

Desmond murió el 30 de mayo de 1977, no por su hábito alcohólico, sino por un cáncer de pulmón, resultado de su largo hábito de fumar. Con su humor, después de que le diagnosticaran el cáncer, expresó su placer por la salud de su hígado. Su último concierto fue con Brubeck en febrero de 1977, en Nueva York. Sus fanáticos no sabían que ya estaba muriendo. Desmond especificó en su testamento que todos los ingresos de "Take Five" irían a la Cruz Roja después de su muerte.


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octubre 21, 2018

Se unen el swing y la salsa



La Orquesta Jazz at Lincoln Center (JALC), dirigida por Wynton Marsalis, está formada por 15 de los mejores solistas, actores de ensamble y arreglistas en la música jazz actual. A fines de 2014, la orquesta dio la bienvenida a un invitado muy especial: el cantante, compositor y actor panameño, ganador del Grammy, Rubén Blades. Para una música nocturna muy especial, dirigida por el bajista de JALC y el “maestro emergente en el idioma del jazz latino” Carlos Henríquez, los mundos de la salsa y el swing colisionaron. Respaldado por una de las grandes bandas líderes del mundo, Blades llevó al público en una gira por sus grandes éxitos. En su reseña del programa, el New York Times dijo que “los arreglos de Henríquez se entregaron consistentemente … radicalmente bellos”.

Ahora, "Una Noche con Rubén Blades" captura este histórico concierto en CD y formatos digitales. El álbum encuentra al Maestro cantando algunas de sus propias composiciones queridas, incluyendo Pedro Navaja, Patria y El Cantante, además de pasar por estándares como Demasiado cerca para la comodidad y Begin the beguine, todos con el respaldo de la Big Band of the Year de la encuesta de Downbeat (2013, ’14 y ’15). El álbum fue lanzado recientemente, el 19 de octubre de 2018.

Esta colaboración caleidoscópica y trascendental entre dos de nuestros músicos más conmovedores se estrenó con gran éxito. El material es altamente recomendado para todos aquellos que gustan de los experimentos musicales.

Disfruten del tema Pedro Navaja, una canción que Rubén Blades creó inspirado en Mack The Knife, que el compositor alemán Kurt Weill, incluyó como tema principal de la obra "Ópera de los Tres Centavos" (Three Penny Opera) del dramaturgo Bertolt Brecht.


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octubre 08, 2018

El carisma de Brian Culbertson



Brian Culbertson es un galardonado multi-instrumentista, compositor y productor conocido por su marca distintiva de jazz contemporáneo, R&B y funk. Extrayendo los sonidos urbanos de Chicago, rico en música, comenzó sus estudios musicales en piano a los ocho años y rápidamente tomó varios otros instrumentos cuando tenía doce años, entre ellos la batería, el trombón, el bajo y el euphonium. 

Inspirado por los icónicos artistas del R&B-jazz-pop de la década de 1970 como Earth, Wind & Fire, Tower of Power, Chicago, David Sanborn y otros, Culbertson comenzó a componer música original para su recital de piano de séptimo grado y no se ha detenido desde entonces: 30 sencillos de Billboard No. 1 (¡y contando!) y un catálogo profundo de 18 álbumes, la mayoría de los cuales han superado las listas de éxitos del jazz contemporáneo de Billboard.

Escuchémoslo con Do you really love me, con la siguiente alineación de músicos:

Brian Culbertson - piano, sintetizador
Steve Cole - saxofón
Paul Jackson Jr. - guitarra
Ricky Peterson - Hammond B3
Alex Al - bajo
Michael White - batería
Lenny Castro - percusión



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Es Dios

"Esa lengua de fuego se abría despiadada, como urdiendo en el alma y buscando donde cabalgar. Resoplaba fuerte, escrutaba el ojo, mordía la mente y ondeaba su calor, como haciéndonos sentir que somos una miniatura, una milmilésima parte del universo. Esa lengua de fuego, creación al fin, es lo mismo que la hoja, que la piedra, que el agua, que el ave, que la hierba. Es Dios".

La compuerta de la vida

"A veces, casi inerme, entrebusco la fórmula de la vida, y encuentro una melodía que me exige respirar, profundo, restituyéndome la fe en el futuro. Sólo Dios abre la compuerta de la vida, y la música es el compás de espera a la perfección, el estadío más emocionante del ser humano".

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